مقالات

الفنانون الأمريكيون والحرب العالمية الأولى (تعليق إجابة)

الفنانون الأمريكيون والحرب العالمية الأولى (تعليق إجابة)

يعتمد هذا التعليق على نشاط الفصل الدراسي: الفنانون الأمريكيون والحرب العالمية الأولى (انظر أيضًا ماكس إيستمان ، الجماهير ، روبرت مينور ، بوردمان روبنسون جيمس مونتغمري فلاج ، آرت يونغ وهنري جلينتنكامب).

السؤال 1: مصادر الدراسة 1 و 2 و 4 و 6 و 8 و 10 و 12. اشرح ما إذا كانت الصور مؤيدة أو مناهضة لمشاركة الولايات المتحدة في الحرب العالمية الأولى.

مناهض للحرب: (1) يجادل روبرت مينور بأن الجندي المثالي هو جندي بلا رأس (شخص لا يفكر بنفسه). كانت محاولة لمنع الشباب الأمريكي من الالتحاق بالجيش. (2) يُظهر Boardman Robinson رجالًا يرتدون زيًا عسكريًا مختلفًا يطلقون النار على يسوع المسيح. وهو يشير إلى أن الدول المشاركة في الصراع كانت تدعي أن "الله في صفها". (8) يظهر Henry J. Glintenkamp رجلاً يحمل طبيبًا عسكريًا. يتم التأكيد على مخاطر الانضمام إلى الجيش من خلال تصوير الطبيب على أنه هيكل عظمي.

المؤيدة للحرب: (4) جيمس مونتغمري فلاج أريدك للجيش الأمريكي كان ملصق التوظيف الأكثر نجاحًا في أمريكا. وهو مبني على فكرة أنجح ملصق بريطاني لألفريد ليت يظهر فيه اللورد كيتشنر. (6) هذا الملصق الحكومي هو أيضًا من تصميم فلاج. استيقظ أمريكا! يقترح أن ألمانيا تهدد "الحضارة" وأن "كل رجل وامرأة وطفل" بحاجة إلى المشاركة في المجهود الحربي. (10) أسلحة جوزيف لينديكر من أجل الحرية - U.S.A Bonds ، تستخدم صورًا لقانون الحرية وفتى كشافة لخلق رد فعل وطني. (12) يستخدم ملصق James Montgomery Flagg مرة أخرى صورة العم سام. وهي تستهدف الأطفال الذين يطلب منهم شراء "طوابع إنقاذ الحرب".

السؤال 2: هل كان مؤلف المصدر 3 يحب المصدر 6.

الجواب الثاني: كان أبتون سنكلير من منتقدي الحكومة الأمريكية لكنه اعتقد أن "الاختلاف بين الطبقة الحاكمة في ألمانيا وطبقة أمريكا هو الفرق بين القرن السابع عشر والقرن العشرين". ويتابع قائلاً: "إذا سُمح لألمانيا بالفوز في هذه الحرب - فسنضطر في أمريكا إلى التخلي عن كل نشاط آخر وتكريس العشرين أو الثلاثين عامًا القادمة للتحضير للدفاع الأخير عن المبدأ الديمقراطي". يوافق سنكلير على رسالة المصدر 6 بأن ألمانيا تهدد "الحضارة".

السؤال 3: اقرأ المصدر 5 واشرح كيف يساعد في إنتاج المصدر 4.

الإجابة الثالثة: تدعي كاثي أوبراين ، حفيدة جيمس مونتغمري فلاج ، أن صورته عن العم سام تم إنتاجها لأول مرة في يوليو 1916 لصالح مجلة ليزلي.

السؤال 4: اقرأ المصدر 9 ومصدر الدراسة 2. لماذا تعتقد أن ماكس إيستمان صدق الهارب "استحق مكانًا في تاريخ الفن".

الإجابة الرابعة: ماكس إيستمان محرر الجماهير، كان معارضًا قويًا للحرب العالمية الأولى. كان يعتقد أن رسم بوردمان روبنسون ، The Deserter ، استحوذ على عبث الحرب و "يستحق مكانًا في تاريخ الفن".

السؤال 5: اقرأ المقدمة والمصدر 7 واشرح لماذا تعتقد السلطات أن بعض الرسوم التي ظهرت في الجماهير قد انتهك قانون التجسس.

الإجابة الخامسة: بموجب أحكام قانون التجسس ، كان نشر مواد تقوض المجهود الحربي جريمة. تم اعتبار الرسوم الكاريكاتورية لروبرت مينور وبوردمان روبنسون وهنري جلينتنكامب تندرج ضمن هذه الفئة. وأجبرت الإجراءات القانونية التي أعقبت ذلك المجلة على التوقف عن الصدور. في أبريل 1918 ، بعد ثلاثة أيام من المداولات ، فشلت هيئة المحلفين في الاتفاق على ذنب المتهمين.


الفن البصري للولايات المتحدة

الفن البصري للولايات المتحدة أو الفن الأمريكي هو فن بصري صنع في الولايات المتحدة أو على يد فنانين أميركيين. قبل الاستعمار ، كان هناك العديد من التقاليد المزدهرة للفن الأمريكي الأصلي ، حيث كانت العمارة الاستعمارية الإسبانية المستعمرة والأنماط المصاحبة في وسائل الإعلام الأخرى في مكانها بسرعة. اعتمد الفن الاستعماري المبكر على الساحل الشرقي في البداية على فنانين من أوروبا ، وكان جون وايت (1540 - 1593) أقرب مثال. في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر ، رسم الفنانون في الأساس صورًا شخصية وبعض المناظر الطبيعية بأسلوب يعتمد أساسًا على الرسم الإنجليزي. كما تم إنشاء صانعي الأثاث المقلدين للأنماط الإنجليزية والحرفيين المماثلين في المدن الكبرى ، ولكن في المستعمرات الإنجليزية ، ظل الفخار المصنوع محليًا ذو فائدة كبيرة حتى القرن التاسع عشر ، مع استيراد المنتجات الفاخرة.

ولكن في أواخر القرن الثامن عشر ، أصبح فنانان أمريكيان ، بنجامين ويست وجون سينجلتون كوبلي ، أكثر الرسامين نجاحًا في لندن في مجال الرسم التاريخي ، ثم يُنظر إليهم على أنهم أعلى أشكال الفن ، مما أعطى أول علامة على وجود قوة ناشئة في الفن الغربي. أصبح الفنانون الأمريكيون الذين بقوا في المنزل ماهرين بشكل متزايد ، على الرغم من قلة الوعي بهم في أوروبا. في أوائل القرن التاسع عشر ، بدأ إنشاء البنية التحتية لتدريب الفنانين ، ومن عام 1820 بدأت مدرسة نهر هدسون في إنتاج لوحات المناظر الطبيعية الرومانسية التي كانت أصلية وتتوافق مع الحجم الهائل للمناظر الطبيعية في الولايات المتحدة. أنتجت الثورة الأمريكية طلبًا على الفن الوطني ، وخاصة لوحة التاريخ ، بينما سجل فنانون آخرون الدولة الحدودية. كان التطور الموازي الذي بدأ يتشكل في المناطق الريفية في الولايات المتحدة هو الحركة الحرفية الأمريكية ، والتي بدأت كرد فعل للثورة الصناعية.

بعد عام 1850 ازدهر الفن الأكاديمي على النمط الأوروبي ، ومع ازدياد ثراء الأمريكيين ، بدأ تدفق الفن الأوروبي ، الجديد والقديم ، إلى الولايات المتحدة منذ ذلك الحين. بدأ افتتاح المتاحف لعرض الكثير من هذا. جاءت التطورات في الفن الحديث في أوروبا إلى الولايات المتحدة من المعارض في مدينة نيويورك مثل معرض Armory في عام 1913. بعد الحرب العالمية الثانية ، حلت نيويورك محل باريس كمركز لعالم الفن. منذ ذلك الحين ، شكلت العديد من الحركات الأمريكية الفن الحديث وما بعد الحداثي. يغطي الفن في الولايات المتحدة اليوم مجموعة كبيرة من الأساليب.


التاريخ ، وما إلى ذلك ، حتى لا تعرف من أين تبدأ. بالطبع ، يمكنك دائمًا البدء بأخذ فصل دراسي في الفنون!

ولكن الذي لديه الوقت؟ بدلاً من فصل الفنون ، جمعنا & # 8217ve مجموعة من الحقائق الفنية الممتعة لتبدأ بها. دع & # 8217s تضع معرفتك بالفن وجميع أشكاله على المحك من خلال معرفة عدد هذه الحقائق التي تعرفها أنت وأصدقاؤك:

  1. كان بابلو بيكاسو أحد أكثر الفنانين تأثيراً وهيمنة في النصف الأول من القرن العشرين. كما تعلم الرسم قبل أن يتعلم المشي.
  2. كان ليوناردو دافنشي نباتيًا ومدافعًا عن حقوق الحيوان. كان معروفًا أنه يشتري طيورًا في أقفاص لإطلاق سراحها.
  3. بفضل البارون بيير دي كوبرتان ، بين عامي 1912 و 1948 ، كان الفن يعتبر رياضة أولمبية. وشمل ذلك النحت والعمارة والموسيقى والرسم وحتى الأدب.
  4. لوحة ليوناردو دافنشي & # 8217s الأكثر شهرة ، الموناليزا ، لها صندوق بريد خاص بها في متحف اللوفر. لماذا ا؟ لأنها تتلقى الكثير من رسائل الحب وبريد المعجبين من جميع أنحاء العالم.
  5. كانت عجلة الألوان في الأصل اختراعًا علميًا قدمه لنا السير إسحاق نيوتن في عام 1706. أدرك نيوتن أن ضوء الشمس ينكسر إلى ستة ألوان ، والتي أصبحت فيما بعد مفيدة للغاية للفنانين.
  6. سرق موظف اللوفر ، فينتشنزو بيروجيا ، لوحة الموناليزا. ومع ذلك ، تم إلقاء اللوم في البداية على السرقة على بابلو بيكاسو وصديقه المقرب جوزيف جيري بيريت.
  7. في سن الخامسة ، أصبح سلفادور دالي مقتنعًا بأنه تناسخ لأخيه الأكبر المتوفى ، والذي كان يُدعى أيضًا سلفادور.
  8. في حين تم اقتراح أن فنسنت فان جوخ باع أو تبادل أعماله بين العائلة والأصدقاء ، فإن اللوحة الوحيدة التي بيعت رسميًا قبل انتحاره كانت & # 8220 The Red Vineyard بالقرب من Arles & # 8221 (1888).
  9. ليوناردو دافنشي & # 8217s ثاني أشهر عمل ، & # 8220 العشاء الأخير ، & # 8221 في الأصل تضمن يسوع & # 8217 قدمًا. لسوء الحظ ، قام البناة الذين قاموا بتركيب باب حيث كانت تُعرض اللوحة بتقطيع اللوحة والمركز السفلي رقم 8217 ، مما أدى إلى قطع يسوع & # 8217 قدمًا.
  10. كانت القطعة التعبيرية لعام 1983 & # 8220 The Scream & # 8221 بواسطة Edvard Munch شائعة جدًا لدرجة أنه ابتكر خمسة إصدارات منها باستخدام وسائط مختلفة.

لا يهم إذا كنت & # 8217 فنانًا موهوبًا أو تقدر الفن والتاريخ وراءه. الفن للجميع. تُعد كل قطعة فنية بمثابة تذكير خالٍ لما كان وما يمكن أن يكون ، ولهذا السبب يجب ألا نتوقف أبدًا عن إظهار تقديرنا لها والتعلم عنها.

المنشورات ذات الصلة

تخصصت سوزان في اللغة الإنجليزية مع تخصص ثانوي في العلوم الإنسانية والأعمال في جامعة ولاية أريزونا وحصلت على درجة الماجستير في الإدارة التربوية من جامعة ليبرتي. قامت بتدريس الصفوف من الرابع إلى الثاني عشر في كل من المدارس الحكومية والخاصة. وشملت الموضوعات اللغة الإنجليزية وتاريخ الولايات المتحدة والعالم والجغرافيا والرياضيات وعلوم الأرض والفيزياء والكتاب المقدس وتقنيات المعلومات والكتابة الإبداعية.

تعمل سوزان في الكتابة المستقلة لأكثر من عشر سنوات ، وخلال هذه الفترة قامت بكتابة وتحرير الكتب ، والمقالات الصحفية ، والسير الذاتية ، ومراجعات الكتب ، والمبادئ التوجيهية ، ووصف الأحياء لأصحاب العقارات ، وعروض Power Point ، والسير الذاتية ، والعديد من المشاريع الأخرى.


الثلاثينيات: صعود موسيقى الجاز والبلوز

تزامن صعود Tin Pan Alley مع ظهور موسيقى الجاز في نيو أورلينز. شكل من أشكال الموسيقى الارتجالية التي كانت مفيدة في المقام الأول ، تضمنت موسيقى الجاز مجموعة متنوعة من الأساليب ، بما في ذلك الإيقاعات الأفريقية والإنجيل والبلوز. أسسها موسيقيو نيو أورلينز مثل الملك أوليفر وتلميذه لويس أرمسترونج ، الذي يعتبره الكثيرون أحد أعظم عازفي الجاز المنفردين في التاريخ ، وانتشرت موسيقى الجاز على طول نهر المسيسيبي من خلال الفرق الموسيقية التي سافرت صعودًا ونزولًا عبر النهر. القوارب البخارية. خلال حقبة الحظر في عشرينيات وأوائل ثلاثينيات القرن العشرين ، كانت بعض فرق الجاز تعزف في حفلات غير قانونية ، مما ساعد في تكوين سمعة هذا النوع لكونه غير أخلاقي ويهدد القيم الثقافية للبلاد. ومع ذلك ، أصبح الجاز شكلاً شرعيًا للترفيه خلال الثلاثينيات ، عندما بدأت الأوركسترا البيضاء في دمج أسلوب الجاز في موسيقاهم. خلال هذا الوقت ، بدأت موسيقى الجاز تأخذ أسلوب الفرقة الكبيرة ، حيث جمعت بين عناصر موسيقى الراغتايم والروحية السوداء والبلوز والموسيقى الأوروبية. وشملت الشخصيات الرئيسية في تطوير فرقة الجاز الكبيرة قادة الفرق ديوك إلينجتون وكولمان هوكينز وجلين ميلر. استخدمت فرق الأوركسترا الكبيرة هذه منظمًا للحد من الارتجال من خلال تخصيص أجزاء من قطعة موسيقية لأعضاء مختلفين في الفرقة. على الرغم من السماح بالارتجال أثناء العروض الفردية ، أصبح التنسيق أكثر تنظيماً ، مما أدى إلى أسلوب التأرجح لموسيقى الجاز الذي أصبح شائعًا في الثلاثينيات. مع تقدم العقد ، خفت المواقف الاجتماعية تجاه الفصل العنصري وأصبحت العصابات الكبيرة أكثر اندماجًا عرقيًا.

في قلب موسيقى الجاز ، كان موسيقى البلوز من اختراع العبيد السود السابقين الذين قاموا بتكييف تراثهم الموسيقي الأفريقي مع البيئة الأمريكية. من خلال التعامل مع موضوعات الشدائد الشخصية والتغلب على الحظ السيئ والاضطرابات العاطفية الأخرى ، فإن موسيقى البلوز عبارة عن شكل موسيقي مكون من 12 بارًا مع تنسيق الاتصال والاستجابة بين المغني وغيتاره. نشأت موسيقى البلوز التي نشأت في دلتا المسيسيبي ، من نيو أورلينز ، في أعمال دبليو سي هاندي ، وما ريني ، وروبرت جونسون ، ولييد بيلي ، من بين آخرين. على عكس موسيقى الجاز ، لم ينتشر البلوز بشكل كبير في الولايات الشمالية حتى أواخر الثلاثينيات والأربعينيات من القرن الماضي. بمجرد أن قدم المهاجرون الجنوبيون موسيقى البلوز إلى المدن الشمالية الحضرية ، تطورت الموسيقى إلى أنماط إقليمية مميزة ، بدءًا من موسيقى الجاز بلوز كانساس سيتي بلوز ويست كوست القائم على التأرجح. كان موسيقيو شيكاغو بلوز مثل Muddy Waters أول من جعل موسيقى البلوز من خلال استخدام القيثارات الكهربائية ودمج النمط الحضري مع موسيقى البلوز الجنوبية الكلاسيكية. غيّر الجيتار الكهربائي ، الذي أنتجه Adolph Rickenbacker لأول مرة في عام 1931 ، الموسيقى عن طريق تكثيف الصوت وإنشاء مستوى صوت أعلى يمكن أن يقطع الضوضاء في الحانات والنوادي الليلية (Rickenbacker ، 2010). من خلال التركيز بشكل أقل على الصراخ ، يمكن للمغنين التركيز على نقل المزيد من المشاعر والألفة في عروضهم. قدم هذا الشكل المكهرب من البلوز أسس موسيقى الروك أند رول.

قدمت موسيقى شيكاغو بلوز ، التي تتميز باستخدام الغيتار الكهربائي والهارمونيكا ، أسس موسيقى الروك أند رول. كان Muddy Waters أحد أشهر موسيقيي البلوز في شيكاغو.

تعتبر فترة العشرينات حتى الخمسينيات من القرن الماضي العصر الذهبي للإذاعة. خلال هذا الوقت ، انفجر عدد المحطات الإذاعية المرخصة في الولايات المتحدة من خمس محطات في عام 1921 إلى أكثر من 600 بحلول عام 1925 (سالمون ، 2010). قدم إدخال البث الإذاعي رابطًا قيمًا بين مراكز المدن الحضرية والبلدات الريفية الصغيرة. قادرة على نقل الموسيقى على الصعيد الوطني ، تبث محطات الإذاعة الريفية أنواع الموسيقى المحلية التي سرعان ما اكتسبت شعبية في جميع أنحاء البلاد.


لماذا باريس؟

ساعد حيان - مونمارتر ومونبارناس - في تشكيل بيكاسو وجيل من المبتكرين.

بابلو بيكاسو Les Demoiselles d’Avignon, 1907

© 2010 ملكية بابلو بيكاسو / جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك

دعونا نستغني عن رومانسية باريس. قبل قرن من الزمان ، كانت مدينة النور مدينة القمل للفنانين الذين صنعوا سمعتهم هناك. غالبًا ما كانت الظروف البدائية لشققهم واستوديوهاتهم تعني عدم وجود تدفئة ولا مياه جارية. كان المال مقابل الغذاء شحيحًا ، بينما كان المرض والغزو في وفرة. تحدد قصة الرسام حاييم سوتين النغمة العامة. تبين أن الخراج الذي اكتشفه في أذنه كان عشًا لبق الفراش. قال الكاتب المسرحي جان كوكتو من حيه في مونبارناس: "كان الفقر رفاهية". مصطلح "فنان جائع" لم يكن من قبيل الغرور. لا في دو بوهيم قد تكون جذابة على مسرح أوبرا بوتشيني أو في صفحات رواية هنري مورجير التي تعود إلى القرن التاسع عشر للفنانين المناضلين. كانت الحياة الحقيقية لبوهيمي باريس صعبة ولا تحسد عليها.

مارك شاغال باريس من خلال النافذة, 1913

© 2010 جمعية حقوق الفنانين (ARS) ، نيويورك / ADAGP ، باريس

Vaslav Nijinsky مثل faun في إنتاج Ballets Russes عام 1912 ظهر فاون.

فلماذا توافد الكثير من الفنانين إلى هناك من جميع أنحاء العالم؟ كبرنامج PBS جديد يسمى باريس: السنوات المضيئة يسأل ، "لماذا باريس؟"

قد يكون السؤال الآخر هو ، لماذا تجذب أي مدينة عظيمة ، بإيجاراتها المرتفعة ومستويات المعيشة المنخفضة فيها ، فنانين يمكنهم الرسم أو الكتابة في أي مكان تقريبًا؟ يمكن العثور على إجابة واحدة في مكان غير عادي: نظرية الاقتصاد التي روجت لها لأول مرة عالمة المدن جين جاكوبس. قد يساعد فهمها لتأثير يسمى "انتشار المعرفة" ، والذي يساعد في تفسير ظهور الصناعات في مدن معينة ، مثل صناعة المنسوجات في برمنغهام بإنجلترا ، على إزالة بعض الغموض من سحر باريس.

أولاً ، بعض المعلومات الأساسية عن نظرية جاكوبس وتاريخ انتشار المعرفة: في عام 1890 ، وصف الاقتصادي السير ألفريد مارشال المدن بأنها "لديها أفكار في الهواء". لقد أدرك أن التفاعلات التي لا حصر لها بين سكان المدن مع بعضهم البعض على أساس يومي يمكن أن يكون لها أيضًا تأثير فريد على الابتكار. كانت هذه التفاعلات نتيجة مباشرة للكثافة الحضرية ، حيث يعيش الناس ويعملون على مقربة من بعضهم البعض. تعني الكثافة الأكبر فرصة أكبر للمواجهات والمحادثات غير المخطط لها ، سواء في الشارع أو عبر الردهة أو في كثير من الأحيان في ثرثرة المطاعم والمقاهي. نتج عن هذه المناقشات ظاهرة "التداعيات".

هنا هو الشيء الرائع حول انتشار المعرفة. إذا كان الجمهور على حق ، يمكن للأشخاص الحصول على معلومات لا تقدر بثمن من خلال التفاعلات العرضية فيما يسمى "العوامل الخارجية الديناميكية" - بعبارة أخرى ، مجانًا. في مقابل النضال في المدينة المزدحمة ، يمكن بالفعل إثراء العامل الأكثر فقرًا "بأفكاره في الهواء". من خلال الابتكار الخاص بالفرد ، يمكن ترجمة هذه الأفكار إلى منتجات جديدة وأفضل.

Moise Kisling و Paquerette و Picasso في مونبارناس في Caf é la Rotonde في عام 1916.

-Réunion des Musées Nationaux / Art Resource NY

أكد مارشال وأحفاده المثقفون أن تركيز صناعة واحدة في مدينة من شأنه أن يستفيد على أفضل وجه من انتشار المعرفة. حتى أن بعض المنظرين اعتقدوا أن الاحتكارات الحضرية قد تكون أكثر استعدادًا للاستفادة من انتشار المعرفة. كان من المفترض أنه عندما تكون التفاعلات داخل الشركات محدودة ، لن يخاطر العمال بمشاركة الأسرار مع المنافسة. من هذا المفهوم نشأ تطوير مجمع المكاتب ، مع تركيزه على الأعمال الفردية.

ومع ذلك ، في عام 1969 ، في كتابها اقتصاد المدن، قدمت جين جاكوبس نظريتها الخاصة عن الاتصالات الحضرية التي تم تحديثها بطريقة مهمة لما يسمى الآن العوامل الخارجية مارشال-أرو-رومر. بدلاً من تركيز الصناعات الفردية أو حتى الشركات الفردية ، أكد جاكوبس أن تنوع وتنوع الأعمال في بيئة كثيفة أدى إلى أعظم وأسرع الابتكارات. كانت الأسباب ذات شقين: التلقيح المتبادل للأفكار عبر الصناعات المختلفة وكثافة الشركات الصغيرة في المنافسة المحلية مع بعضها البعض يجلب الابتكار بسرعة أكبر إلى السوق. تتجنب الاحتكارات مخاطر الابتكار وهي بطيئة في التعرف على الطلب الجديد ، لكن الشركات الصغيرة يمكن أن تكون قابلة للتكيف. كتب جاكوبس: "القليل من المشاهد هي أكثر إثارة للدهشة من الكم الهائل والتنوع في أماكن العمل والعمل المركزة في مدينة عظيمة" ، وتشجع مثل هذه التركيزات المتنوعة على استعارة الابتكارات من صناعة وتطبيقها على صناعة أخرى.

فيما يتعلق بتنوع التأثيرات الحضرية ، كان جاكوبس يشير إلى نقطة مهمة. تتعدد الأمثلة على أفكار صناعة ما لإعلام صناعة أخرى. نما تطور صناعة السيارات في ديترويت من الابتكارات في بناء السفن لبحيرة إيري ، حيث كان القارب الذي يعمل بالبنزين سابقةً للسيارات. نشأت صناعة الخدمات المالية في نيويورك من مطالب ومعرفة تجار القطن والحبوب الذين يتاجرون في المدينة. في أوائل التسعينيات ، أجرى فريق من الباحثين من جامعة هارفارد ونيويورك وجامعة شيكاغو بقيادة إدوارد إل جلايسر تحليلًا لمجموعات البيانات الخاصة بالصناعات الرئيسية في مدن الولايات المتحدة بين عامي 1956 و 1987. أن فهم جاكوبس لتداعيات المعرفة كان صحيحًا. تحفز مجموعة متنوعة من الأنشطة في بيئة كثيفة أكبر قدر من الابتكار.

لفهم كيفية تطبيق نظرية جاكوبس على الحياة الفنية في باريس في مطلع القرن الماضي ، فكر في صعود بابلو بيكاسو. لم يكن الفنان الإسباني تقريبًا أفضل رسام للحركة الحديثة ، لكنه كان إلى حد بعيد أكثر المبتكرين قسوة.

أدرك بيكاسو منذ صغره الدور الخاص الذي يمكن أن تلعبه مدينة باريس في نجاحه. كان يحسب في تحديد أماكن إقامته هناك وطريقة تنقله عبر المدينة كما كان في تبنيه لأساليب وتقنيات الرسم الجديدة.

بدلاً من تطوير منسوجات جديدة أو محركات أسرع ، عمل الفنانون الباريسيون في مطلع القرن - مبتكروها العصريون على أي حال - على شيء واحد: بناء طليعة أفضل. قرر بيكاسو أن يفعل ذلك أفضل من أي شخص آخر.

ولد بيكاسو في مدينة مالقة الأندلسية عام 1881. كان والده ، خوسيه رويز بلاسكو ، مدرسًا ناجحًا للفنون ورسامًا لمشاهد طبيعية. لقد منح ابنه موهبة لتطبيق الزيت على القماش ، لكن كان على بيكاسو الذهاب إلى مكان آخر لتطوير إحساسه الفريد بالابتكار الحداثي. بعد أن أمضى سنوات مراهقته في برشلونة ومدريد ، حيث حقق الرسام الرائع نجاحًا مبكرًا مع شخصياته الرمزية ، انتقل إلى باريس نهائيًا في عام 1904. كانت قلب الحياة الفنية للمدينة في تسعينيات القرن التاسع عشر. لقد مر الجميع من أوجين ديلاكروا إلى فنسنت فان جوخ منحدراته الشديدة الانحدار. وجد العديد من الانطباعيين منزلاً في السيرك والملاهي الليلية. ابتداءً من عام 1904 ، كان المقر الرئيسي لبيكاسو في باريس عبارة عن كومة من الاستوديو ، بدون غاز أو كهرباء ، والمعروف باسم باتو لافوار ، والذي سمي بهذا الاسم لأنه يشبه أحواض الغسيل المستخدمة على طول نهر السين.

كتب المؤرخ روجر شاتوك من باريس في مطلع القرن: "إلى حد أكبر من أي وقت مضى منذ عصر النهضة" ، عاش الرسامون والكتاب والموسيقيون وعملوا معًا وجربوا أيديهم على فنون بعضهم البعض في جو من تعاون دائم. " في عقده الأول في باريس ، استوعب بيكاسو كل قطرة من انتشار المعرفة في المدينة. قام بشكل خاص بتكييف الابتكارات من المجالات الفنية الأخرى. من النحت غير الغربي إلى الكتابة التجريبية والموسيقى والرقص ، وجد بيكاسو أفكارًا جديدة للوحاته.

أقرب أصدقاء الرسام في باريس كان الناقد الفني والشاعر ماكس جاكوب ، الذي عرض له شعر بودلير ورامبو وفيرلين خلال بعض الزيارات السابقة للمدينة. تأثرت الفترة الزرقاء لبيكاسو من 1901-1904 ، والتي رسم فيها بألوان حزينة فقط ، بمزاج الشعراء الرمزيين. قام بيكاسو بعد ذلك بتجميع الصورة الغريبة والرائدة بشكل فريد Les Desmoiselles d’Avignon في عام 1907 بدمج الأقنعة الأفريقية ، التي ربما رآها في متحف أثنوغرافي دو تروكاديرو ، مع تأثيرات من التماثيل الأيبيرية ولوحات بول غوغان وبول سيزان وإل غريكو. من خلال تحليل إضافي لـ Cézanne ، الذي تم مسح عمله في Salon d’Autumne عام 1905 ، قبل عام من وفاته ، وجد بيكاسو طريقة جديدة لنمذجة الفضاء التصويري. قام بدمج تقنية سيزان مع الابتكارات الأدبية لأصدقاء مثل الشاعر غيوم أبولينير وحول الرسم إلى "شكل من أشكال الكتابة" ، كما وصف تاجره دانيال هنري كاهنويلر تطور التكعيب التحليلي والتركيبي بين عامي 1908 و 1914.

وصف المبتكر التكعيبي الكبير الآخر ، جورج براك ، علاقته مع بيكاسو بأنها "متسلقا الجبال متشابكان معًا". في الواقع ، تم ربط بيكاسو بكل مبتكر فني عرضته المدينة. بصرف النظر عن براك وتلميذه الإسباني خوان جريس ، لم يكن أقرب أصدقاء بيكاسو وتأثيراته في باتو لافوار رسامين. كان أبولينير وجاكوب والشاعر والناقد أندريه سالمون أعضاء ميثاق باندي à بيكاسو. حتى أن الفنان رأى أنه من المناسب كتابة "au rendez-vous des poètes" بالطباشير على باب الاستوديو الخاص به.

في عام 1912 ، قام بيكاسو باكتشاف نوع مختلف. كان انتشار المعرفة في مونمارتر يجف تمامًا كما كان حي آخر للفنانين يتشكل. عبر الجانب الآخر من المدينة ، المتصل بخط المترو الجديد رقم 12 Nord-Sud ولكن العالم منفصل ، كان حي Left Bank في Montparnasse يعج بالنشاط الفني عندما أغلق بيكاسو الباب في Montmartre ، ولم يعد أبدًا. بحلول الوقت الذي انتقل فيه بيكاسو إلى مونبارناس ، كان قد أصبح بالفعل الحي الحديث الجديد ، ولم يكن لدى الفنان صاحب التفكير الابتكاري خيار سوى الانتقال. التاجر كانفايلر وجد له أول مكان له هناك ، في بوليفارد Raspail.

يقف بابلو بيكاسو أمام غير مكتمل رجل يجلس مع الزجاج في Atelier de la Rue Schoelcher في مونبارناس.

-Réunion des Musées Nationaux / Art Resource NY

وصف أبولينير الاختلاف الناشئ بين الحيين بهذه الطريقة. كانت مونمارتر "مليئة بالفنانين المزيفين ، والصناعيين غريبو الأطوار ، ومدخني الأفيون المهتمين بالشياطين. في مونبارناس ، من ناحية أخرى ، يمكنك الآن العثور على الفنانين الحقيقيين ، الذين يرتدون ملابس على الطراز الأمريكي. قد تجد القليل منها غنيًا بالكوكايين ، لكن هذا لا يهم: مبادئ معظم بارناسوا (ما يسمى لتمييزهم عن البارناسوس) تعارض استهلاك الجنة الاصطناعية بأي شكل أو شكل ".

بحلول نهاية العقد الأول من القرن العشرين ، غمرت سحر مونمارتر الخلاب الحي بالسياح والباحثين عن المتعة والرسامين الذين يعملون بأسلوب موريس أوتريلو غير المبتكر. بالنسبة لرسام الهواء ذي الطراز القديم ، كان حي مونبارناس الجديد أقل جاذبية بكثير - عمل قيد التنفيذ ، مع شوارع واسعة ومساحات فارغة - ولكنه كان مثاليًا للحداثيين في استوديوهاتهم. "لم تكن رائعة مثل مونمارتر. قال مؤرخ الفن كينيث سيلفر في مقابلة ، أعتقد أن مونبارناس كان العكس - ممل إلى حد ما وغير مكتمل. سيلفر ، الذي يظهر في باريس: السنوات المضيئة، ينظم معرضًا في متحف غوغنهايم حول الحداثة بين الحروب ، يسمى "الفوضى والكلاسيكية".

ما تفتقر إليه في السحر عوضه مونبارناس بمساحة واسعة لانتشار المعرفة. أصبحت حلقة من المقاهي الجديدة والكبيرة عند تقاطع Boulevard du Montparnasse و Boulevard Raspail حفرة الري وساحة البلدة لطليعة متنامية. اشتهرت لأول مرة من قبل مجموعة من المثقفين الألمان الذين أصبحوا معروفين باسم "دوميرز" ، بما في ذلك فيلهلم أودي ، وريتشارد جويتز ، وألفريد فليشتهايم ، وقد أدت هذه المقاهي - دوم ، وكوبول ، ورووند ، والسليكت - نفس الوظيفة المبتكرة الذي فعلته Cedar Tavern مع التعبيريين التجريديين في نيويورك. لقد وفروا أماكن فعالة بشكل خاص لانتشارها.

"كانت استراتيجية للغاية. . . مكانة عسكرية رائدة "، يلاحظ مؤرخ الفن رومي جولان في باريس: السنوات المضيئة. "أصبحت تلك المقاهي المكان الذي يلتقي فيه الفنانون. إنهم يجلسون في المقاهي ، يرسمون في المقاهي على هذه الأرصفة العريضة ، وهذا أمر فريد من نوعه في باريس ".

نظرًا لأن فناني مونبارناس غالبًا ما يفتقرون إلى مرافق المرحاض والمطبخ في استوديوهاتهم ، لم يكن لديهم خيار سوى فرك الكتفين مع بعضهم البعض في المقاهي. قال أبولينير: "في المقاهي الكبيرة ، والحانات الصغيرة ، والمطاعم الرخيصة ، وأكاديميات الفنون في مونبارناس" ، وجد فنانو باريس المعاصرون "بديلاً لمنحدرات مونمارتر الأكثر انحدارًا".

وقد أدى مركز الاستوديو في مونبارناس وظيفة مماثلة. يوجد هنا مبنى يُعرف باسم La Ruche - حرفياً ، "خلية النحل" - يحتوي على ثمانين استوديو ومائتي سرير مرتبة بشكل دائري. كانت القاعة المستديرة الرئيسية هي جناح النبيذ في معرض يونيفرسال لعام 1900 ، بجانب برج إيفل الجديد. قام أحد نحات الآثار الجنائزية بنقل المبنى إلى مونبارناس في عام 1902.

هنا جاءت المجموعة الأكثر تنوعًا من الجنسيات المختلفة تحت سقف واحد. اتبع النمساويون والروس والإسكندنافيون والأمريكيون الألمان إلى مونبارناس. يقول سيلفر: "كانت هناك هجرة كبيرة لفناني أوروبا الشرقية ، وتزامنت تحديدًا مع اللحظة التي تحولت فيها الأمور من مونمارتر إلى مونبارناس".

في الواقع ، كان معظم سكان لا روش من أوروبا الشرقية: مارك شاغال ، سوتين ، جاك ليبتشيتز ، ألكسندر أرشيبينكو ، أوسيب زادكين ، أو من إيطاليا: أميديو موديلياني وأردنغو سوفيتشي. يصف Soffici المشهد الدولي لمنزل الاستوديو بأنه يضم "الفرنسيين ، الإسكندنافيين ، الروس ، الإنجليز ، الأمريكيين ، النحاتين والموسيقيين الألمان ، مصممي النماذج الإيطاليين ، النحاتين ، مزيفي النحت القوطي ، مجموعة متنوعة من المغامرين من البلقان وأمريكا الجنوبية والشرق الأوسط. "

وبالمثل ، تذكر شاجال إقامته في La Ruche: "أثناء وجوده في المشاغل الروسية ، بكى أحد العارضين المهينين ، ومن الإيطاليين جاء صوت الأغاني ورنين الغيتار ، ومن مناظرات اليهود وحججهم. جلست وحدي في الاستوديو الخاص بي أمام مصباح الكيروسين الخاص بي. . . . في الأسفل وبعيدًا قليلاً ، يذبحون الماشية. الأبقار منخفضة وأنا أرسمها ".
يقول سيلفر عن صعود مونبارناس: "أعتقد أن عام 1910 هو اللحظة التي انتهى فيها مونمارتر". "وصل موديلياني عام 1909. بيكاسو في عام 1912. تحول المشهد نحو العالمية ، وكان بيكاسو هو الرمز المثالي لذلك ، لأنه ليس فرنسيًا."

استضافت مونبارناس مجموعة طليعية سيطر عليها الأجانب. حلت رياضة الملاكمة الأمريكية محل السيرك والملاهي الليلية في جذب اهتمام الطليعة. حتى الجامع والكاتب جيرترود شتاين ، وهو مقيم آخر ، حضر المباريات ، بينما كان كوكتو غريب الأطوار يحب أن يرش في مياه الحمام المتبقية للرياضيين. عندما حل الطراز الأجنبي محل التأثيرات البوهيمية ، واصل بيكاسو تصميم مجموعات المسرح لفرقة Ballets Russes والمنتج المنفي Serge Diaghilev.

بالنسبة لبيكاسو ، كانت مكافآت انتشار المعرفة أكثر من كونها فنية. أثبت مزاد باريس عام 1914 ، عشية الحرب العالمية الأولى ، أنه يمكن أن يكون مربحًا أيضًا. قبل عقد من الزمان ، جمعت مجموعة من المستثمرين تسمى Peau de l’Ours أموالهم وبدأت في شراء أعمال الحداثة. كما هو مخطط ، قاموا بعد ذلك بتفريغ مشترياتهم في بيع رفيع المستوى في Hôtel Drouot ، دار مزادات كبرى في باريس. من بين جميع استثماراتهم ، أظهر عمل بيكاسو أكبر العوائد: له عائلة سالتيمبانكويستم شراؤها عام 1909 مقابل 1000 فرنك ، وبيعت عام 1914 مقابل 12650 فرنكًا. واكتسبت الصحف الإسبانية والأمريكية عملية البيع ، مما زاد من شهرة بيكاسو. جنى الفنان لنفسه 4000 فرنك من المزاد. من الأفكار الموجودة في الهواء في باريس ، ابتكر بيكاسو الجميع خلال العقد الأول من إقامته في الإقامة ، مما أدى إلى إثراء فن القرن العشرين مع نفسه. (بصفته مواطنًا إسبانيًا ، على عكس العديد من زملائه الفنانين ، استمر بيكاسو في الازدهار خلال الحربين العالميتين من خلال التعهد بالولاء لإنتاجه الفني الخاص).

لم يكن التطور السريع للطليعة الباريسية في مطلع القرن ، والذي تجسد في ابتكارات بيكاسو ، تقدمًا خطيًا للأسلوب الرسومي ، بل كان نتيجة انتشار المعرفة من مجموعة من التأثيرات الفنية والتاريخية والقومية.

إنها لا تدين بالأسلوب الفرنسي وكل شيء للديمقراطية الفرنسية وحياتها المدنية ، حيث يمكن التمتع بالحريات الشخصية في المقاهي المفتوحة. في الواقع ، مع بداية الحرب العالمية الأولى ، انقلب الذوق الفرنسي ضد الحداثيين ، الذين أصبح يُنظر إليهم على أنهم غير وطنيين وأجانب - وكانوا كذلك بشكل عام. قدمت باريس إطارًا لمجموعة من المبتكرين لتطوير منتجاتهم من خلال مشاركة أفكارهم في مطاعمها وشوارعها واستوديوهاتها ، لكن مدرسة باريس كانت مدعومة بقيد من الأجانب. أخيرًا ، أدت قومية الحرب العالمية الأولى والاحتلال النازي للثانية إلى وضع حد للمشهد الفني المتنوع في باريس والابتكارات الفنية التي انبثقت عنه.

جيمس بانيرو هو المحرر التنفيذي لموقع المعيار الجديد. يكتب بانتظام عن الفنون.


فنانون كنشطاء: السعي لتحقيق العدالة الاجتماعية


رحلة ماري هوبر. الصورة بإذن من الفنان و Gutfreund Cornett Art.

يجب ألا ننسى أبدًا أن الفن ليس شكلاً من أشكال الدعاية بل هو شكل من أشكال الحقيقة.

قد يقول البعض أن العالم في حالة من الفوضى الآن. يشير آخرون إلى أنه يمكن أن يكون أسوأ. في عالمنا الذي مزقته الحرب ، يعتمد الأمر على هويتك والمكان الذي تعيش فيه. في ضوء القائمة المتزايدة باستمرار من الأزمات التي تعبر جميع الحدود والثقافات ، حشدت الشراكة التنظيمية لـ Guttfreund Cornett Art مجموعة من 86 فنانًا لمعالجة هذا التصعيد في العنف وانتهاكات حقوق الإنسان والمخاوف البيئية. عبر التاريخ ، عكس الفن وقته. يعكس الفن المعيار الجمالي لليوم ويوفر أيضًا نافذة على السياق التاريخي للوقت. يعمل مثل Andy Warhol's ، كرسي كهربائي كبير أو بيكاسو غيرنيكا بمثابة تذكيرات أيقونية وبيانات قوية حول القضايا الاجتماعية في وقتهم. غالبًا ما يرى الفنانون مكانهم للاستفزاز والتعبير والتنوير. يقع هذا الدور الطويل الأمد للفنان كناشط في قلب "التغيير الاجتماعي: يحدث لواحد ، ويحدث للجميع" ، وهو معرض فني يقام في كلية سانت ماري للفنون في موراغو ، كاليفورنيا 18 سبتمبر - 11 ديسمبر ، 2016.

تتمثل مهمة Gutfreund Cornett Art في إنشاء معارض في أماكن في جميع أنحاء الولايات المتحدة حول موضوعات "الفن كنشاط". تؤمن Karen Gutfreund بأن "هناك الكثير مما يجب قوله ، لجعل الناس يتوقفون وينظرون ويستمعون لمواجهة قضايا الظلم الاجتماعي. يمكن للفن في كثير من الأحيان أن يقول ما لا تستطيع الكلمات أن تقوله. نريد تقديم عمل فني قوي لعامة الناس يعكس حول هذه القضايا ويشجع على التغيير ".

يركز هذا المعرض على مجموعة واسعة من قضايا انتهاكات حقوق الإنسان التي برزت إلى السطح بشكل كبير في السنوات القليلة الماضية. بيان المعرض يوضح ،

"لم يعد من الممكن النظر إلى حقوق الإنسان على أنها منفصلة وانتماء إلى قلة مميزة ، بل بالأحرى أن هذه الحقوق كلها مترابطة ومترابطة وغير قابلة للتجزئة للجميع"

يتشابك هذا المعرض مع قضايا ساخنة مثل التفاوت في الثروة ، والهجرة ، والعنصرية ، وقضايا النوع الاجتماعي والمساواة ، وإصلاح نظام العدالة الجنائية ، والعنف باستخدام السلاح. يتحد الصوت والصورة المرئية لتشكيل تعليق قوي.

شهد إريك ألمانزا ، وهو فنان ومعلم في مدرسة لوس أنجلوس الموحدة ، في كثير من الأحيان العواقب الفوضوية المتضمنة في تجربة الطلاب ، متابعين والديهم الذين قاموا برحلة خطرة عبر الحدود ، على أمل منح أطفالهم حياة أفضل. لاحظ إريك ، "إنهم لا يأتون إلى هنا للتخلص من نظام رعاية اجتماعية معطل. هؤلاء المهاجرون يعبرون الحدود للعمل ، ليس وظيفة واحدة ، بل وظيفتان وأحيانًا ثلاث وظائف". قطعته بحثا عن منزل جديد مخصص لأولئك الذين قاموا بهذه الرحلة.


بحثا عن منزل جديد بقلم إريك المنزا. الصورة بإذن من الفنان و GutfreundCornett Art.

حالة شروق الشمس بقلم جوستين فيشر يعكس رد فعل الفنان على النتيجة المأساوية للصبيين الأمريكيين من أصل أفريقي تريفون مارتن وجوردان ديفيس ، وكلاهما ضحيتان لقانون Stand Your Ground في فلوريدا. تعكس الإشارة التاريخية إلى الإعدام خارج نطاق القانون الألم والحزن والتعقيد للانقسام العرقي الذي تعامل معه المجتمع الأسود لسنوات عديدة. على حد تعبير جوستين ، "الرجال البيض يقفون على الأرض ، ويتم قتل الأولاد السود".


حالة الشمس المشرقة لجوستين فيشر. الصورة بإذن من الفنان و Gutfreund Cornett Art.

الفنانة ، جيني باليل تستكشف الطلقات النارية كعلامة تجارية في عملها أمريكا الأحمر والأبيض والأزرق. تلقت تعليمات في إطلاق النار من سلاح ناري كوسيلة لاستكشاف كل من عملية الأسلحة النارية ونتائجها في ضوء عمليات إطلاق النار الجماعية العديدة في هذا البلد. توصلت إلى استنتاج مؤلم مفاده أن ممارستها الفنية تعكس الثقافة الأمريكية.


أمريكا الأحمر والأبيض والأزرق لجيني باليل. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art.

القطعة المفاهيمية لنانسي أوهيانيان ، لوائح وكالة حماية البيئة هو تذكير قوي ومرئي لما يبدو عليه الظلم البيئي. تنطوي على آثار العرق والسياسة على حق من حقوق الإنسان بسيطة مثل مياه الشرب النظيفة والآمنة. المفارقة هي أنه في أكثر البلدان تقدمًا في العالم ، لم تتمكن واحدة من أفقر مجتمعات ميشيغان وأكثرها سوادًا من الحصول على مياه آمنة أو نظيفة.


لوائح وكالة حماية البيئة بواسطة نانسي أوهيانيان. الصورة بإذن من الفنان و GutfreundCornett Art.

الاهتمام الإعلامي بحادثة مصعد راي رايس مع زوجته جاني رايس أجبر الفنانة خايمي شيفر على إلقاء نظرة على تجربتها الخاصة مع العنف الأسري والنتيجة كانت القطعة المنبثقة ،1 في 3. "أثبت إنشاء هذه القطعة أنه أكثر صعوبة مما توقعت ... من خلال إنشاء هذه القطعة ، كنت آمل في مساعدة المشاهد على فهم وجهة نظر الضحية ونقص الموارد التي غالبًا ما تعيق قدرة الضحية على الهروب من الموقف."


1 في 3 من Jaime Shafer. الصورة بإذن من الفنان و GutfreundCornett Art.

واجهت سارة فريدلاندر تناقضها مع الحقائق السياسية في إسرائيل. "في عام 2011 سافرت إلى فلسطين للمرة الأولى. وقبل ذلك ، تجنبت الصراع الإسرائيلي الفلسطيني لأنه بصفتي يهوديًا أمريكيًا كان من المحرمات مناقشة السياسة الإسرائيلية أو التشكيك فيها". في زيارتها الثانية ، واجهت أسئلة خاصة بها. "ما رأيته عند وصولي كان ساحرًا ومقلقًا للغاية. فقط عند عودتي ، عندما حاولت توصيل انطباعاتي ، توصلت إلى هذا العمل الفني كطريقة لفتح المناقشة هنا في أمريكا. محجور في القدس هي القطعة الأولى في سلسلة أكبر تستكشف الألم والكرب على جانبي الموقف.


منعت في القدس من قبل سارة فريدلانجر. الصورة بإذن من الفنان و GutfreundCornett Art.

الهدف من هذا المعرض ليس مجرد لفت الانتباه إلى هذه المشاكل الخطيرة ولكن أيضًا لبدء حوار. صرحت شيري كورنيت ، شريكة Gutfreund Cornett Art ، أن "أحد الدوافع الرئيسية لإنشاء هذه الأنواع من المعارض هو الحوار الذي تولده الأعمال والمجتمعات التي تتشكل في عملية التطوير والمشاركة فيها. يتمتع الفنانون بفرصة المشاركة من الخطاب. إنهم يسلطون الضوء على تجاربهم الشخصية مع الظلم أو تلك التي تحملها الآخرون ... من خلال هذا الحوار المشترك ، نعمل معًا لتجاوز الاستقطاب وإعادة اكتشاف إنسانيتنا المشتركة ".

يستمر المعرض من 18 سبتمبر إلى 11 ديسمبر ويتضمن أعمالًا تم اختيارها للتركيب في الموقع بالإضافة إلى فنانين تم اختيارهم ليكونوا جزءًا من عرض شرائح رقمي ، لمزيد من المعلومات والكتالوج عبر الإنترنت ، راجع gutfreundcornettart.com.


قفص الطيور بواسطة Xian Mei Qiu. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art.


هايتي وجمهورية الدومينيكان: جزيرة واحدة - عالمان بقلم غيرادو كاسترو. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art.


العدالة في أمريكا لمارجي وير. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art


بدون عنوان بواسطة Dawn Nakashima. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art.


ستسود العدالة بقلم دان تاغ.الصورة بإذن من الفنان و Gutfreund Cornett Art.


الفتاة التي سقطت من السماء / La Nina que se cayo del cielo بواسطة Veronica Cardoso. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art.


أحياء المتعة من بريسيلا أوتاني. الصورة بإذن من الفنانة و GutfreundCornett Art.


ساعدت الحرب العالمية الأولى في تشكيل أمريكا الحديثة. لماذا هو منسي جدا؟

لقد أعدت تعريف حقوق المرأة والعلاقات العرقية والحريات المدنية ودور أمريكا في العالم. لقد تسببت في عدد القتلى الأمريكيين ضعف عدد القتلى في حرب فيتنام. لكن لا يوجد نصب تذكاري وطني له في واشنطن العاصمة ، ويوم الخميس ، ستمر الذكرى المئوية لتأسيسه دون ضجة كبيرة.

في 6 أبريل 1917 ، أعلنت أمريكا الحرب على ألمانيا ودخلت الحرب العالمية الأولى. بعد ما يقرب من ثلاث سنوات من التردد ، تم إجبارها على غرق السفن الأمريكية المحايدة من قبل الغواصات الألمانية ، واعتراض بريطانيا لما يسمى برقية زيمرمان التي تكشف عن مؤامرة ألمانية لإقناع المكسيك بشن حرب على الولايات المتحدة.

حشدت أمريكا أكثر من 4.7 مليون جندي بسرعة مذهلة وعانت 53402 قتيلاً في المعارك و 63114 حالة وفاة أخرى في الخدمة ، كثير منهم بسبب الإنفلونزا الإسبانية. كانت مشاركة أمريكا حاسمة في هزيمة الألمان في عام 1918 ، حيث شكلت بعمق ما أصبح يعرف باسم "القرن الأمريكي". ومع ذلك ، على عكس الاحتفالات الموسعة بالذكرى المئوية في بريطانيا قبل ثلاث سنوات - نصب تذكاري في برج لندن يضم 888246 خشخاشًا أحمر لتمثيل كل جندي مات - أصبح هذا بالنسبة للعديد من الأمريكيين حربًا منسية.

قال المؤرخ إيه سكوت بيرج خلال حلقة نقاش استضافتها قناة PBS في واشنطن يوم الاثنين: "أمريكا لم تعاني بالطريقة التي عانت بها بريطانيا العظمى بالتأكيد". لقد أبعدنا وودرو ويلسون عن الحرب لمدة ثلاث سنوات لم نقاتل فيها سوى ستة أشهر فقط. خسرت بريطانيا جيلا. لقد خسرنا كثيرًا عند الحديث نسبيًا ، لكن لا شيء مقارنة بما خسرته بريطانيا ".

لكن جينيفر كين ، مؤرخة متخصصة في الحرب العالمية الأولى في جامعة تشابمان في أورانج ، كاليفورنيا ، عارضت ذلك: "أكره مثل هذه المقارنات. أشعر أنها غير مفيدة حقًا من حيث فهم تجاربنا المختلفة للحرب. لقد فقدنا 52000 ضحية في ستة أشهر. إذا عاد 52000 أمريكي [قتلى] من العراق في الأشهر الستة الأولى من القتال هناك ، فلا أعتقد أن أي شخص سيقول أن ذلك كان غير ذي أهمية ، أو أن أمريكا لن تشعر به ".

إلى جانب الخسائر الفادحة في الأرواح ، كان للحرب آثار زلزالية على الولايات المتحدة اقتصاديًا واجتماعيًا وثقافيًا. لعبت النساء دورًا كبيرًا في جهود التعبئة واغتنمت الفرصة للمطالبة بالتصويت ، ونظمن احتجاجات خارج البيت الأبيض ، وأقنعت ويلسون الكونجرس في نهاية المطاف بأن الاقتراع هو إجراء حرب.

امرأة تنظر إلى نسخة طبق الأصل من ملصق تجنيد في الحرب العالمية الأولى في معرض مقبرة أرلينغتون الوطنية. الصورة: ريكس / شاترستوك

كانت الحرب حافزًا للهجرة الكبيرة للأمريكيين من أصل أفريقي ، وأولئك الذين عادوا من الحرب ، ووجدوا عدم المساواة كما هو ، وطالبوا بالحقوق المدنية. بالإضافة إلى ذلك ، أدى الصراع إلى ظهور التجنيد الإجباري والدعاية الجماهيرية ودولة الأمن القومي ومكتب التحقيقات الفيدرالي. لقد سرَّعت ضريبة الدخل والتوسع الحضري وساعدت في جعل أمريكا القوة الاقتصادية والعسكرية البارزة في العالم.

تم تأريخ هذه التحولات بشكل واضح في المسلسل التلفزيوني American Experience ، The Great War ، ابتداءً من PBS في 10 أبريل. يكشف العرض أيضًا كيف تم اعتبار المهاجرين كبش فداء ، حيث أُجبر أولئك الذين ينحدرون من أصل ألماني على التسجيل لدى السلطات والضغط عليهم لإثبات ولائهم لأمريكا. هناك إشارات إلى الأحداث التي تم فيها تحطيم السكين وذبح الكلاب الألمانية.

هاجر الجد الألماني لدونالد ترامب ، فريدريك ترامب ، إلى أمريكا عام 1885. لكن والد ترامب ، فريد ، ادعى أنه من أصل سويدي بسبب المشاعر المعادية لألمانيا التي أثارتها الحرب. ادعى الرئيس نفسه أن أصله سويديًا ، وليس ألمانيًا ، حتى عام 1990. يوم الخميس ، سوف يسافر الرئيس إلى منزله الفاخر في فلوريدا لإجراء محادثات مع الرئيس الصيني ، شي جين بينغ ، متجاوزًا الاحتفال الرسمي في المتحف والنصب التذكاري الوطنيين للحرب العالمية الأولى في كانساس سيتي ، ميزوري ، حيث سيكون أكبر مسؤول هو القائم بأعمال وزير الجيش ، روبرت سبير.

لكن حقيقة أنه يلتقي بزعيم القوة العظمى الصاعدة في العالم - دولة استبدادية مع القليل من الاهتمام لحرية التعبير - ستحمل رمزية خاصة بها بعد 100 عام من قيام ويلسون بوضع لهجة أمريكا كمراقب عالمي للديمقراطية.

قال بيرج ، كاتب سيرة ويلسون ، متحدثًا أمام اللجنة في متحف النيوزيوم بواشنطن: "مع كل الاحترام لتوم بروكاو وتوم هانكس في هذا الصدد ، لا أعتقد أن الحرب العالمية على جيلين كانت أعظم جيل. أعتقد أن الحرب العالمية جيل واحد كانت أعظم جيل ، إلى حد كبير لأن ذلك الجيل ذهب إلى الحرب على المبادئ. لم نهاجم.

وأضاف أن هذا الأسبوع يصادف الذكرى المئوية "لما أعتبره الخطاب الأكثر أهمية في السياسة الخارجية في المائة عام الماضية ، إن لم يكن آخر 260 عامًا ، وكان ذلك هو ذهب وودرو ويلسون أمام جلسة مشتركة للكونغرس وطلب من أجل إعلان الحرب ، وفي ذلك الخطاب ، نطق وودرو ويلسون ثماني كلمات كانت أساس كل سياسة خارجية أمريكية منذ ذلك الحين: "يجب أن يصبح العالم آمنًا للديمقراطية". سواء كنت تتفق معها أم لا ، سواء أعجبك ذلك أم لا ، سواء كنت تفهمه أم لا ، لا يهم. كان هذا هو أساس كل السياسة الخارجية الأمريكية تقريبًا على مدار المائة عام الماضية ".

إنه خيط مر ، للأفضل أو للأسوأ ، من خلال التدخلات الأمريكية في الحرب العالمية الثانية ، وكوريا ، وفيتنام ، وحرب الخليج ، والبلقان ، وأفغانستان ، والعراق ، ولكن ترامب اقترح الآن أنه سيتخلى عنه باسم سياسة خارجية "أمريكا أولاً" التي لم تعد تسعى إلى فرض الديمقراطية في الخارج.

كان هناك 52000 ضحية أمريكية في ستة أشهر من الحرب العالمية الأولى. الصورة: فيرجينيا مايو / أسوشيتد برس

قال مايكل كازين ، أستاذ التاريخ في جامعة جورجتاون بواشنطن: "ترامب هو أول رئيس منذ ذلك الحين أعتقد أنه ليس من أهل ويلسون في قلبه. إنه يود من الولايات المتحدة فقط ضرب أعدائها ثم الخروج. يقول: "كان يجب أن نأخذ النفط" ، وهو أمر لا يمكن أن يقوله أي رئيس أمريكي آخر في نفس الظروف.

"لذلك قد - من يدري - نرى نهاية هذا التقليد الويلسوني - سواء كان ذلك جيدًا أم لا ، فهذا أمر مختلف - وسيثبت الواقعيون أن أمريكا ستخوض الحرب فقط عندما تكون في ذاتها تمامًا -الاهتمام ، وليس لأي مُثُل أكبر ".

قال كازين إنه من "العار" أن قلة في أمريكا تقدر أهمية دخول الولايات المتحدة إلى الحرب ، سواء من حيث تغيير نتائجها أو تغيير المجتمع الأمريكي.

في مقدمة كتابه ، الحرب ضد الحرب: صعود وهزيمة وإرث حركة السلام في أمريكا 1914-1918 ، كتب كازين: "على الرغم من إحياء ذكرى المقاتلين في الحرب العالمية الثانية ونزاع فيتنام في المواقع الكبيرة والشائعة على المركز التجاري الوطني ، الرجال الذين قاتلوا في الحرب العظمى - والـ 53000 الذين ماتوا في المعركة - لا يزالون لا يتمتعون بمثل هذا الشرف في الصخر.

"وحده بين مواطني الدول المتحاربة السابقة ، يحتفل الأمريكيون بعيدًا في ذكرى الهدنة لا يشير صراحة إلى الحرب نفسها. عندما أسأل الطلاب لماذا يصادف يوم المحاربين القدامى في 11 نوفمبر ، بالكاد يعرف أي منهم الإجابة ".

في مقابلة في مركز ويلسون بواشنطن ، أوضح: "بالنسبة للولايات المتحدة ، الحرب العالمية الأولى فوضوية. لا يفهم الأمريكيون تمامًا سبب دخولنا في وقت متأخر جدًا ، ثم لماذا لا توجد معركة مشهورة نعرفها جميعًا كما هو الحال بالطبع في الحرب العالمية الثانية ، ولماذا لا توجد أفلام عنها ، ولماذا أليس هناك أدب جاد حول هذا الموضوع.

"باستثناء همنغواي ، وداعا للسلاح ، لا يوجد أدب واحد مهم للحرب العالمية في هذا البلد ، لا شيء مقارنة بكل [ويلفريد] أوينز و [سيجفريد] ساسونز وآخرين. الكثير منه عبارة عن شعر متطرف ، أشياء رديئة جدًا: يعتبر doggerel وصفًا أفضل له. لا يوجد فيلم أمريكي مهم حول هذا الموضوع ، لا شيء مثل الوهم الكبير [جان رينوار] ".

يقود وودرو ويلسون مجموعة من الأشخاص في مؤتمر السلام بعد الحرب العالمية الأولى. الصورة: AN2

ومع ذلك ، فإن الذكرى المئوية لا تمر بدون علامات على الإطلاق. مقبرة أرلينغتون الوطنية في ولاية فرجينيا, تنظم مكتبة الكونغرس والمحفوظات الوطنية ومؤسسة سميثسونيان في واشنطن والمتحف والنصب التذكاري الوطني للحرب العالمية الأولى في مدينة كانساس سيتي العديد من المعارض والمحاضرات والعروض. تخطط اللجنة المئوية أخيرًا لإقامة نصب تذكاري وطني لواشنطن ، على الرغم من أنه سيكون في بيرشينج بارك ، وليس في المركز التجاري الوطني.

قال ماثيو نايلور ، الرئيس والمدير التنفيذي للمتحف في مدينة كانساس سيتي ، إنه شهد زيادة بنسبة 52٪ في عدد الزوار منذ عام 2013 ، ليصل إلى أكثر من 225 ألفًا العام الماضي. وأضاف: "هناك اهتمام عميق". نحن لا نسعى للتنافس مع تلك الحروب الأخرى. نحن نسعى إلى أن نحتل مكاننا اللائق بين النصب التذكارية التي تكرم أولئك الذين خدموا ".

لكن بينما تحتفل بريطانيا مرة أخرى بالذكرى المئوية للهدنة في نوفمبر من العام المقبل بأبهة ، فإن تأملات أمريكا في حرب تفتقر إلى درس أخلاقي واضح - فقد ويلسون السلام عندما رفض مجلس الشيوخ معاهدة فرساي وعصبة الأمم - حتما كن أكثر صمتًا.

قال ميتش يوكلسون ، كبير المستشارين التاريخيين في اللجنة المئوية للحرب العالمية الأولى: "تذهب إلى مكتبة لندن وهي مليئة بالحرب العالمية الأولى وتذهب إلى أحد الكتب في الولايات المتحدة ولا يكاد يوجد أي منها.

كما كتب أحد المؤرخين بشكل مثالي ، فإن الحرب العالمية الأولى حُجزت بين الحرب الأهلية والحرب العالمية الثانية. لم يرغب الكثير من الجنود في الحديث عن ذلك ، لقد كانت تجربة مروعة. استغرق الأمر بعض الوقت للغرق وبحلول الوقت الذي أصبح فيه الناس مستعدين لكتابة التواريخ ، كانت الحرب العالمية الثانية. "

وأضاف يوكلسون: "يمكنني أن أضمن أنه بمجرد إحياء ذكرى الهدنة في عام 2018 ، سيتم نسيانها إلى حد كبير ولكن لمجموعة أساسية من الناس".


فن البوب ​​(حوالي 1955-70)

تم اختراع مصطلح Pop-Art من قبل المنسق البريطاني لورنس ألوي في عام 1955 ، لوصف شكل جديد من & quot؛ الفن الشعبي & quot؛ وهي حركة تتميز بصور الاستهلاكية و الثقافة الشعبية. ظهر Pop-Art في كل من نيويورك ولندن خلال منتصف الخمسينيات من القرن الماضي وأصبح الأسلوب الطليعي المهيمن حتى أواخر الستينيات. تتميز بالصور الجريئة ، البسيطة ، اليومية ، والألوان المفعمة بالحيوية ، كان من المثير للاهتمام أن ننظر إليها ولديها إحساس عصري & quothip & quot. كما مكنت أنظمة الألوان الزاهية هذا الشكل من الفن الطليعي من التأكيد على عناصر معينة في الثقافة المعاصرة ، وساعدت على تضييق الفجوة بين الفنون التجارية والفنون الجميلة. كان أول ما بعد الحداثة الحركة (حيث يكون الوسيط مهمًا مثل الرسالة) بالإضافة إلى المدرسة الفنية الأولى التي تعكس قوة السينما والتلفزيون ، والتي اكتسبت العديد من صورها شهرة المشاهير. كانت المصادر الشائعة لأيقونات البوب ​​هي الإعلانات وتغليف المنتجات الاستهلاكية وصور نجوم السينما ونجوم البوب ​​وغيرهم من المشاهير والأشرطة الهزلية.

أفضل الرسامين في العالم
للحصول على تفاصيل الأفضل
الرسامين المعاصرين انظر:
مشاهير الرسامين.

تطور الفن المرئي
للتسلسل الزمني والتواريخ
من الأحداث الرئيسية في التطور
للفنون البصرية حول العالم
انظر: تاريخ الفن الجدول الزمني.

معنى الفن
للمناقشة ،
انظر: تعريف الفن.

في الفن الأمريكي ، كان من دعاة موسيقى البوب ​​المشهورين روبرت راوشينبيرج (1925-2008) وجاسبر جونز (مواليد 1930) وروي ليشتنشتاين (1923-97) وآندي وارهول (1928-1987). من بين الدعاة الأمريكيين الآخرين: جيم داين (مواليد 1935) ، روبرت إنديانا (مواليد 1928) ، راي جونسون (1927-95) ، أليكس كاتز (مواليد 1927) ، كلايس أولدنبورغ (مواليد 1929) ، إد روسشا (مواليد 1937) وجيمس روزنكويست (مواليد 1933) وتوم ويسلمان (مواليد 1931). لمزيد من المعلومات ، يرجى الاطلاع على فن البوب ​​آندي وارهول في الستينيات والسبعينيات.

ومن بين أبرز فناني البوب ​​البريطانيين: السير بيتر بليك (مواليد 1932) وباتريك كولفيلد (1936-2006) وريتشارد هاميلتون (مواليد 1922) وديفيد هوكني (مواليد 1937) وألين جونز (مواليد 1937).

الأصول والتأثيرات

كان فن البوب ​​، مثله مثل جميع أنماط الفن المهمة تقريبًا ، رد فعل جزئيًا ضد الوضع الراهن. في الخمسينيات من القرن الماضي في أمريكا ، كان النمط الرئيسي هو تعبير مجردة ، وهو أسلوب غامض غير تصويري للرسم - على الرغم من إعجاب النقاد ومحبي الفن الجادين وزوار المتاحف المتمرسين - لم يكن على اتصال مع الجمهور العام أو مع العديد من الفنانين. . أسلوب رسامي إلى حد كبير ، وكلما أصبح أكثر تجريدًا وتعبيرًا ، زادت الفرصة لأسلوب جديد يستخدم صورًا مجازية أكثر وأكثر واقعية: أي شيء يمكن لأخوة الفنانين الأوسع أن تحصل على أسنانها وتلك. يمكن أن يتصل المشاهدون. وهكذا أصبح فن البوب ​​، الذي أصبح على النحو الواجب أسلوب الفن الراسخ ، والذي حل محله المدارس الأخرى بعد عام 1970.

من بعض النواحي ، كان ظهور فن البوب ​​(وصعوده على التعبيرية التجريدية) مشابهًا لصعود دادا وخليفتها السريالية الأوسع نطاقًا (وصعودهم على التكعيبية). تضمنت كل من المدارس العليا (التعبيرية التجريدية والتكعيبية) أساليب فكرية عالية مع جاذبية محدودة لعشاق الفن السائد. صحيح أن الدادائية كانت في الأساس مناهضة للفن ، لكن السنوات التي ازدهرت خلالها 1916-1922 تميزت باستقطاب كبير وصراع سياسي ، وبمجرد أن هدأت الأمور ، أصبح معظم الدادائيين سرياليين. على أي حال ، كما هو موضح أدناه الأهداف والفلسفة، تشترك Pop-art في العديد من خصائص Dada-Surrealism وهي مدين لها بالعديد من التقنيات المشتقة من كولاجات Kurt Schwitters و & quotreadymades & quot لمارسيل دوشامب ، والصور الأيقونية لـ Rene Magritte والإبداعات الجريئة لسلفادور دالي (على سبيل المثال. أريكة ماي ويست ليبس هاتف لوبستر).

وإذا كانت السريالية في جوهرها داخلية ، وهروبًا بطبيعتها ، في حين تم تعريف فن البوب ​​من قبل قوى استهلاكية خارجية ، فقد استهلك كلاهما بالحاجة إلى إحداث تأثير بصري قوي على عامة الناس.

فنان آخر ربما كان له تأثير على فن البوب ​​هو إدوارد هوبر (1882-1967) الرسام الواقعي لأمريكا الحضرية. على الرغم من أن أسلوبه في الرسم مختلف تمامًا عن معظم أعمال البوب ​​، إلا أن صوره البسيطة للمشاهد اليومية الأمريكية المتطرفة (على سبيل المثال & quotNight Hawks & quot ، 1942 و & quotGas & quot ، 1940) كانت معروفة جيدًا لجيل البوب ​​، وربما تكون قد أبلغت لوحاتهم.

ملاحظة: بالنسبة لاتجاهات القرن العشرين المهمة الأخرى المشابهة لفن البوب ​​، انظر حركات الفن والمدارس (من حوالي 100 قبل الميلاد).

ظهر فن البوب ​​البريطاني من داخل مجموعة مستقلة - دائرة غير رسمية من الفنانين بما في ذلك الرسام ريتشارد هاميلتون ، المنسق والناقد الفني لورانس ألوي ، والنحات إدواردو باولوزي ، اجتمعوا في معهد الفنون المعاصرة في لندن.

من الاجتماع الأول ، في عام 1952 ، عندما قدم Paolozzi عددًا من الصور المجمعة التي تم تجميعها من قصاصات المجلات وغيرها من الأشياء التي تم العثور عليها ومثلها ، بما في ذلك ملصقة محتفى بها (الآن) بعنوان & quotI was a Rich Man's Plaything & quot (تم إنشاؤها قبل 5 سنوات في عام 1947) تركزت مناقشاتهم إلى حد كبير حول القيمة الفنية وأهميتها الثقافة الجماهيرية الشعبية.

بعد أربع سنوات ، في عام 1956 ، أنتج عضو آخر في المجموعة ، ريتشارد هاملتون ، ملصقة خاصة به ، "ما الذي يجعل منازل اليوم جذابة للغاية؟ من فن البوب ​​البريطاني. في عام 1961 ، ظهر عدد من الأعمال على غرار البوب ​​لديريك بوشير ، وديفيد هوكني ، وألين جونز ، وآر بي كيتاج وبيتر فيليبس ، في معرض شباب المعاصرين. في عام 1962 ، تم نشر المزيد من الدعاية للبوب البريطاني عندما عرضت البي بي سي & quotالبوب ​​يذهب الحامل& quot ، فيلم من إخراج كين راسل الذي استكشف الحركة الجديدة في بريطانيا.

في هذه الأثناء في أمريكا ، خلال منتصف الخمسينيات من القرن الماضي ، كان عالم الفن يهز من قبل عدد من الفنانين المرتبطين بحركات صغيرة (على سبيل المثال. نيو دادا, فن الفانك, Lettrism, تغلب على الفن, تعددية المادية, كائن مشترك، على سبيل المثال لا الحصر) ، كان العديد منهم يدرجون مقالات عن الثقافة الجماهيرية في أعمالهم. لقد أرادوا أن يكون فنهم أكثر شمولاً من الأساليب التقليدية (مثل التعبيرية التجريدية) ، لذلك استخدموا مواد غير فنية وركزوا على الموضوعات العادية التي يسهل التعرف عليها والتي تعبر عن الثقافة الشعبية في ذلك الوقت.

من بين هذه الطفرة في الابتكار ، العمل عن طريق روبرت روشنبرغ, راي جونسون (1927-95) و جاسبر جونز، بدأ في إحداث تأثير على المشهد الفني المهم في نيويورك. فيما بينهم ، فتحوا مجموعة كاملة من الموضوعات الجديدة: Johns ، مع لوحاته للأعلام والأهداف والأرقام ، بالإضافة إلى منحوتاته لأشياء مثل علب البيرة Rauschenberg ، بفن الكولاج والتجميع ، واللوحات المجمعة & quot (في عبارة عن لوحة قماشية مرسومة مع أشياء مختلفة أو صور فوتوغرافية - مثل: & quotMonogram & quot [1955-9] تشتمل على ماعز محشو بإطار حول وسطها) من حيوانات محشوة وزجاجات كوكاكولا وعناصر أخرى جونسون مع صوره المجمعة للمشاهير لجيمس دين وشيرلي تمبل وإلفيس. كان الملحن رواد ودعاة مؤثرون آخرون لفن البوب جون كيج (مدرس مؤثر في كلية بلاك ماونتن في نورث كارولينا) ، وفنان الأداء ألان كابرو (1927-2006).

تم تعزيز هذا المد المتصاعد من التفكير الجديد من خلال الاهتمام المتجدد بالحركات الطليعية السابقة مثل الدادائية والسريالية ، والتي تعززت حيويتها الدائمة من خلال التأثير ، إن لم يكن الوجود الفعلي ، للعديد من الدادائيين والسرياليين السابقين ، مثل مارسيل دوشامب ، ماكس إرنست ، والمتحولون المحليون ، مثل جوزيف كورنيل. ومع ذلك ، من المهم الإشارة إلى أنه في حين أن الفنانين الأمريكيين الطليعيين في هذه الفترة (خاصة Rauschenberg) كانوا مدينين للأوروبيين الأوائل (مثل Duchamp و Schwitters et al) لتأسيس تقاليد معينة (مثل الكولاج) ، كان تركيزهم الفريد على الإنتاج الفن الذي يعكس واقع أمريكا المعاصرة.

بحلول أوائل الستينيات ، بدأت مجموعة من فناني البوب ​​في اكتساب الشهرة من خلال المعارض الفردية في أماكن مثل نيويورك ولوس أنجلوس ، واستخدم العديد منهم تقنيات الطباعة التجارية (مثل طباعة الشاشة) لإنشاء فنهم ، بدلاً من التقليدي. طرق الرسام. وشملت هذه المواهب الجديدة: جيم داين وروبرت إنديانا وأليكس كاتز وروي ليشتنشتاين وكلايس أولدنبورغ وجيمس روزنكويست وتوم ويسلمان وآندي وارهول. تم عرض العديد من الأعمال ، التي أصبحت فيما بعد أيقونات ، لأول مرة. وشملت زيوت ليختنشتاين المصورة المصورة ، ومطبوعات وارهول بالشاشة الحريرية لمارلين مونرو وعلب حساء كامبل ، وبرغر الفينيل الضخم والآيس كريم في أولدنبورغ.

الغريب ، حتى أواخر عام 1962 أو أوائل عام 1963 ، كان النقاد لا يزالون يصفون هؤلاء الفنانين بأنهم الواقعيون الجدد أو مصطلح آخر من هذا القبيل. وهكذا ، فإن المعرضين الفنيين المهمين اللذين أقيمتا في خريف عام 1962 - أحدهما برعاية والتر هوبس في متحف باسادينا للفنون والآخر في معرض سيدني جانيس في نيويورك - كانا بعنوان & quotالرسم الجديد للأشياء المشتركة& quot (باسادينا) و & quotالواقعية الجديدة& quot (نيويورك). فيما بعد فقط تم استخدام مصطلح Pop-art كاسم تقني للحركة ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى عدم ارتياح النقاد لمصطلح Realist ، وجزئيًا بسبب وجود Lawrence Alloway في نيويورك - وهو الآن أمين متحف Guggenheim - الذي دعا إلى اعتماد المصطلح.

من عام 1963 فصاعدًا ، انتشر فن البوب ​​ u200b u200b في جميع أنحاء أمريكا ، وبمساعدة فناني البوب ​​البريطانيين ، رسخ نفسه في القارة. كان صعود الحركة مدعومًا بالنمو الموازي في مناطق أخرى. في الاقتصاد ، من خلال نمو الاقتصاد العالمي بشكل عام والاقتصاد الأمريكي بشكل خاص في مجال العلوم ، عبر انتشار التلفاز في الموسيقى المعاصرة (التي أصبحت تعرف باسم & quotPop & quot) من خلال تصغير الراديو ، وزيادة إنتاج التسجيلات ، وظهور مجموعات عبادة مثل البيتلز، وظاهرة بيشيديليا وأخيرًا من خلال توسيع سوق الفن.

خلال الستينيات المتأخرة ، آندي وارهول ظهر باعتباره داميان هيرست في عصره ، واكتسب شهرة وسمعة سيئة بكميات متساوية بسبب مطبوعاته السينمائية الشهيرة ، وعمله التصوري في مجال الأفلام ، وأساليب إنتاجه الفنية الأنيقة بشكل متزايد وترويجه الذاتي - على الأقل حتى تم إطلاق النار عليه وإصابته بجروح خطيرة في 3 يونيو ، 1968. روي ليختنشتاين، أيضًا ، أصبح اسمًا مألوفًا من خلال تفجيراته الهزلية والعديد من الأحداث التاريخية المرموقة على جانبي المحيط الأطلسي. في غضون ذلك ، فاز Rauschenberg بالجائزة الكبرى في عام 1964 بينالي البندقية، وحافظ على سمعته الطليعية من خلال المساعدة في تشكيل EAT (تجارب في الفن والتكنولوجيا) في عام 1966 لتعزيز التعاون بين الفنانين والمهندسين ، بينما حافظ Johns على مكانته العالية من خلال الفوز بالجائزة الأولى في عام 1967 بينالي ساو باولو.

ربما لا محالة ، بعد أن نجا من توافق الخمسينيات والذعر من أزمة الصواريخ الكوبية (1962) ، وصل فن البوب ​​الأمريكي إلى ذروته خلال النصف الثاني من الستينيات ، ليجد نفسه مصابًا وتقويضًا من قبل قلق حقبة حرب فيتنام ، وما يقابلها من صعود في معاداة أمريكا.

على الرغم من كونه أقل جرأة وأقل هزلية ورومانسية وأكثر حنينًا من نظيره عبر المحيط الأطلسي ، تأثر فن البوب ​​البريطاني خلال أوائل ومنتصف الستينيات بشدة بثقافة البوب ​​الأمريكية التي اعتبرتها أكثر حداثة. وأكثر إثارة من التنوع المحلي. خلال هذه الفترة بدأت بريطانيا في استيراد كمية كبيرة من البرامج التلفزيونية الأمريكية، بالإضافة إلى ميزات أخرى للحياة الأمريكية ، مثل بارات برجر ومنافذ الوجبات السريعة الأخرى. نتيجة لذلك ، بدأ الفنانون في الرسم على الصور الأمريكية للإلهام ، على الرغم من ميل بريطاني في كثير من الأحيان. من ناحية أخرى ، كانت صناعة الإعلان والطباعة البريطانية أقل تطوراً بكثير ، مما منع الفنانين البريطانيين من استخدام التقنيات الراسخة بالفعل في نيويورك (مثل الطباعة بالشاشة الحريرية) ، وأجبرهم على الاعتماد على التقنيات القديمة.

في أوروبا ، تم إضعاف أولوية الثقافة الشعبية الأمريكية بسبب اللغة والسياسة. في باريس ، التي لا تزال قلقة بشأن وضعها الصغير بالنسبة لنيويورك كأفضل مركز فني في العالم ، تم التسامح مع ثقافة البوب ​​الأمريكية بدلاً من الاحتفال بها. علاوة على ذلك ، كان للطليعة الفرنسية - ربما بسبب الحزب الشيوعي الراسخ - نكهة سياسية أكثر ، وبالتالي اتخذت خطاً دادائيًا يشجع الجمهور على المشاركة في أدائهم المفضل والأحداث والفن المفاهيمي تحت المصطلح الشامل الواقعية الجديدة (حوالي 1960-70). كان الفرنسيون الرائدون & quotPop-Artists & quot أو Nouveau Realistes هم: إيف كلاين (1928-1962) ، فرانسوا دوفرين (1930-1982) ، ماتيال رايسي (مواليد 1936) ، جاك دي لا فيلجل (مواليد 1926) ، جاك مونوري (ب. 1934) ، آلان جاكيه (مواليد 1939) ، جان تينغولي (1925-1991). بقيت إيطاليا ، كونها أقل سياسية (على الرغم من وجود حزب شيوعي أكبر!) أكثر انفتاحًا على الإمكانيات الفنية والتصميمية المتأصلة في فن البوب. على سبيل المثال ، كانت مجموعة تصميم إيطالية تتألف من جوناثان دي باس (1932-91) وباولو لومازي (مواليد 1936) ودوناتو دوربينو (مواليد 1935) التي ابتكرت & quot؛ جو صوفا & quot (1971) أريكة تشبه قفاز بيسبول عملاق .

أهداف وفلسفة وطرق فن البوب

لا يمكن تلخيص أي حركة فنية دولية استمرت لأكثر من 15 عامًا وتشمل جميع أنواع الفن وأنواع وأنواع الوسائط المعروفة ، فضلاً عن الأشكال الجديدة تمامًا ، في بضع جمل. ومع ذلك ، لا يمكن فهم فن البوب ​​دون مراعاة المفاهيم التالية التي تساعد في تحديد جوهره.

كانت الفكرة الأساسية وراء فن البوب ​​ u200b u200b هي إنشاء شكل من أشكال الفن له معنى فوري. كان هذا في تناقض حاد مع الفكر الفائق للتعبيرية التجريدية مع لوحاتها الباطنية المحبوبة للغاية من قبل المتخصصين في الفنون. لتحقيق هدفهم في المعنى الفوري ، جرب فنانو البوب ​​عمليات تجارية جديدة ، مثل الرسم الأكريليكي ، والكولاج على القماش باستخدام مواد لا ترتبط عادة بالرسم ، والطباعة بالشاشة الحريرية. بالإضافة إلى ذلك ، تم أخذ الصور ومخططات الألوان لمعظم الرسم والنحت في فن البوب ​​من مصادر استهلاكية أو إعلامية رفيعة المستوى ويمكن التعرف عليها بسهولة مثل: السلع الاستهلاكية والرسومات الإعلانية والمجلات والتلفزيون والأفلام والرسوم المتحركة والكتب المصورة. تم تقديم الأشخاص والأشياء بألوان زاهية وغالبًا ما تكون شديدة التباين ، بينما كانت التراكيب عادةً بسيطة جدًا وجذابة للعامة.

يمكن صنع الفن من أي شيء

حتى القرن العشرين ، كان الرسم التقليدي للفنون الجميلة يُرسم عادة بالزيوت: النحت من البرونز أو الحجر أو الخشب. علاوة على ذلك ، كانت الموضوعات عادةً هي تلك التي تعتبر تستحق العلاج الجمالي: عاري الإنسان ، أو الوجه البشري ، أو المناظر الطبيعية الكلاسيكية ، أو مشهد النوع أو الحياة الساكنة. حتى التكعيبية ، على الرغم من طبيعتها الثورية ، كانت تميل إلى مراعاة العديد من هذه الاتفاقيات الفنية. ثم جاءت الحرب العالمية الأولى والحركة المناهضة للفنون المعروفة باسم دادا. بدأت هذه الحركة فكرة أنه يمكن إنشاء الفن من جميع أنواع الأشياء ، بما في ذلك قصاصات المواد اليومية الأكثر شيوعًا. حافظ فنانون البوب ​​على هذه الفكرة وطوروها. لقد قدموا العالم الحديث للثقافة الشعبية بأي مواد يرونها مناسبة ، بغض النظر عن مدى ضعفها أو تافها.

الفكرة أهم من العمل الفني نفسه

أيضًا ، حتى دادا ، كانت السمة الأساسية للفنون الجميلة التقليدية هي العمل نفسه - الرسم أو النحت أو الحفر أو النحت أو أي شيء آخر. بدون & quot؛ عمل فني & quot؛ لم يكن هناك شيء. لذلك تم تركيز كل الاهتمام على جودة المنتج النهائي والمهارات المطلوبة لإنتاجه. تمرد دادا على هذا من خلال الاحتفال & quotidea وراء العمل الفني & quot بدلاً من العمل نفسه. واصل العديد من فناني البوب ​​هذا التقليد للفن المفاهيمي. لقد أولوا أهمية أكبر لتأثير العمل وأهمية أقل على صنعه. مثل استخدام المواد منخفضة الحاجب ، تم تفسير هذا التركيز على مفهوم العمل وتأثيره على أنه محاولة لفضح جاذبية عالم الفن. كان هذا صحيحًا جزئيًا: شارك بعض فناني البوب ​​في العقيدة المناهضة للفن والمعادية للجماليات للداديين الأوائل. ومع ذلك ، كان البوب ​​السائد أكثر إيجابية وأكثر اهتمامًا بإنشاء أشكال جديدة للتعبير ، باستخدام أساليب جديدة وصور مصورة جديدة ، بدلاً من تشويه التقاليد. في الواقع ، رأى العديد من فناني البوب ​​أنفسهم كمساهمين في الفنون الجميلة بدلاً من التخلي عنها.

أسلوب فني أكثر شمولاً وأكثر صلة

بغض النظر عن مدى التصور والرسم بشكل رائع ، ومدى استحسان نقاد الفن المؤثرين كليمنت جرينبيرج (1909-94), هارولد روزنبرغ (1906-1978) وآخرون ، كانت أعمال مارك روثكو الضخمة للتعبير التجريدي غير معروفة إلى حد كبير للجمهور الأمريكي (أو البريطاني) عمومًا. في المقابل ، اعترف الجميع تقريبًا الفيس, مارلين مونرو، والعديد من المشاهير الآخرين ، بالإضافة إلى الأطعمة الشعبية وغيرها من العلامات التجارية للمنتجات ذات العلامات التجارية التي سرعان ما أصبحت الموضوع الرئيسي للفن البوب. وهكذا ، فمنذ مرحلة مبكرة جدًا ، أعلن فن البوب ​​آرت عن نيته رفض الطابع النخبوي للفن التقليدي أو الفن عالي الجبين لصالح الصور الشعبوية لموضوعات معروفة.

بالنسبة لمعظم الناس في أواخر الخمسينيات وأوائل الستينيات من القرن الماضي ، اقتضت رحلة إلى متحف فني رحلة مملة عبر صفوف من اللوحات الغامضة ، والتي لم يكن معظمها مفهومًا ولا ترفيهيًا. عادة ، لا يمكن تقدير الأعمال الأكثر شهرة (والفنانين الذين قاموا بإنشائها) بمجرد مشاهدتها ، ولكنها تتطلب دراسة عن كثب لكتيب إرشادي المتحف. كان فن البوب ​​ u200b u200b دورًا أساسيًا في فتح عالم الرسم والنحت للأشخاص العاديين الذين ، ربما لأول مرة في حياتهم ، يمكنهم التعرف على المعروضات أمامهم وتقديرها على الفور. قد لا يعجبهم ذلك ، لكنهم كانوا أقل عرضة للتخويف من الصورة اليومية التي يمكن أن يرتبطوا بها. بهذا المعنى ، جعل فن البوب ​​المتاحف وصالات العرض أكثر صلة بعامة الناس.

رفع المرآة إلى المجتمع

على عكس دادا ، التي كان هدفها السلبي تمامًا هو تقويض وتقويض قيم المؤسسة البرجوازية التي ألقوا باللوم عليها في مذبحة الحرب العالمية الأولى ، سعى فن البوب ​​ u200b u200b إلى عكس القيم الاجتماعية والبيئة التي نشأ منها. وهكذا ركزوا على الانشغالات التي يتقاسمها معظم المستهلكين الأمريكيين: غذاء, سيارات و رومانسي. عادة ، تم تحقيق ذلك باستخدام الصور الصاخبة أو الساخرة ذات التأثير البصري القوي. وإذا تم انتقادهم بسبب اهتمامهم بمثل هذا الموضوع ، فيمكنهم ببساطة أن يقولوا إنهم ببساطة (على حد تعبير شكسبير) ويقلبون المرآة إلى الطبيعة & quot ؛ أو في حالتهم & quot ؛ المجتمع الحديث & quot. إذا لم يكن هناك شيء آخر ، فإن فن البوب ​​ u200b u200b كان & quot ؛ تعبيرًا ما بعد الحرب عن عالم مشغول تمامًا بالسعي وراء المادية.

ميول ما بعد الحداثة

بدأ فن البوب ​​ u200b u200b بطريقة رسامية ، تميز بشكل أساسي بمجموعته الجديدة من الموضوعات الشعبوية التي كان يأمل أن تنقل واقعاً أكثر صلة وحداثة. بعد ذلك ، أصبحت مهتمة أكثر فأكثر ، ليس بتصوير الواقع (أو الطبيعة) ، ولكن بالتأثير والوسيط والأسلوب. مثل هذا الاتجاه ، الذي يؤدي دائمًا تقريبًا إلى عدم وضوح الخط الفاصل بين الفن والتظاهر - بين شيء من الجمال ومجرد الترفيه - هو السمة المميزة لفن ما بعد الحداثة. لهذا السبب ، يمكن اعتبار فن البوب ​​ u200b u200b أول حركة تتقدم إلى ما بعد الحداثة إلى عصر الفن المعاصر. في الواقع ، أطلق فنانو البوب ​​في الستينيات طريقًا للواقعية ولاحقًا بريتارت وغيرها من الأساليب المعاصرة المماثلة التي ظهرت في العقود التي تلت ذلك. كما مهدوا الطريق لتصميمات المباني ما بعد الحداثة ، والتي أعادت إضفاء الطابع الإنساني على العمارة الأمريكية بشكل كبير.

النقاد مقابل الجمهور والجامعين

غالبًا ما احتقر النقاد فن البوب ​​ u200b u200b بسبب تركيزه المنخفض. على سبيل المثال ، وصف هارولد روزنبرغ ، أحد أكثر نقاد الفن تأثيرًا في مجال الفن المعاصر ، الأمر بأنه & quot؛ مثل المزحة بدون فكاهة ، يتم إخباره مرارًا وتكرارًا حتى يبدأ في الظهور وكأنه تهديد. فن الإعلان الذي يعلن عن نفسه على أنه فن يكره الإعلان. & quot بعد كل شيء ، حتى في الستينيات ، كان على المرء فقط مشاهدة التلفزيون ، مع وابله المتواصل من الإعلانات التجارية ، أو القيادة على طول الشوارع المغطاة باللوحات الإعلانية ، أو قراءة المجلات اللامعة المليئة باللقطات المتكررة للموسيقى ونجوم السينما ، لتقدير الانخفاض الجوهري. -محور الحاجب في الحياة العصرية. لماذا يجب أن يكون الفن مختلفًا؟

والأهم من ذلك ، أن Pop-art كان (ولا يزال) أحد أكثر أنماط الفن شعبية ، والذي نجح في الوصول إلى عامة الناس بطريقة لم تفعلها سوى القليل من الحركات الفنية الحديثة - أو فعلت ذلك منذ ذلك الحين. وهواة جمع الأعمال الفنية يحبونها أيضًا. على سبيل المثال ، لوحة & quotFalse Start & quot (1959) التي رسمها Jasper Johns بيعت في عام 2006 مقابل 80 مليون دولار: وهي تاسع أغلى عمل فني في التاريخ. (لمزيد من المعلومات ، راجع أفضل 10 لوحات أغلى). تم بيع العمل & quotGreen Car Crash & quot (1963) (بوليمر اصطناعي وحبر بالشاشة الحريرية وأكريليك على الكتان) بواسطة آندي وارهول في كريستيز ، نيويورك ، في عام 2007 ، مقابل 71.7 مليون دولار ، مما يجعله يحتل المرتبة الرابعة عشرة من حيث الأسعار الفنية التي تم بيعها على الإطلاق. (انظر أعلى 20 لوحة أغلى). ليس سيئًا لعمل فني متواضع.

خلال ركود عام 2009 ، ورد أن مشترًا غير معروف اشترى بصمة أندي وارهول ثمانية الفيس (1964) مقابل 100 مليون دولار (و 60.5 مليون جنيه إسترليني) في بيع خاص ، مما يجعله خامس أغلى عمل فني تم بيعه على الإطلاق.

مشاهير فناني البوب ​​الأمريكيين

كان Jim Dine أحد دعاة Neo-Dada و Pop-art ، متخصصًا في الفن التصويري ، & quot؛ & quot؛ qureadymades & quot (أو & quot؛ تم العثور على كائنات & quot) والأحداث. لفت الانتباه لأول مرة في عام 1959 من خلال أحداثه ، التي نظمها بالتعاون مع كلايس أولدنبورغ وآلان كابرو والملحن والمفاهيم الطليعي جون كيج. في عام 1962 ، تم ضمه إلى جانب روي ليشتنشتاين ، وآندي وارهول ، وروبرت دود ، وفيليب هيفرتون ، وجو جود ، وإدوارد روسشا ، وواين ثيبود ، في معرض بوب آرت في باسادينا. خلال الستينيات من القرن الماضي ، أنتج Dine مجموعة من الأعمال الفنية باستخدام عناصر وصور الثقافة الشعبية ، ولجأ أحيانًا إلى الإثارة الدادائية ، كما هو الحال في حدث التثبيت & quotCanticles to the Penis & quot ، الذي أغلقته الشرطة في لندن لكونه غير لائق.

روبرت إنديانا (ب 1928)

ولد روبرت كلارك ، بدأ كرسام تجريدي ونحات خشب قبل أن ينضم إلى حركة فن البوب ​​في مدينة نيويورك في عام 1954. وقد دفعه الإستنسل المهمل إلى استكشاف مجموعة من فن الكلمات عن طريق وضع الحروف والكلمات (مثل الحب والأكل والموت ) في لوحاته التي كانت تعتمد على ديكور آلات الكرة والدبابيس. أطلق على نفسه اسم & quotالرسام الأمريكي للعلامات. & quot. اشتهر بصورته الرسومية في الستينيات & quotLove & quot ، والتي ظهرت لأول مرة على بطاقات عيد الميلاد والطوابع. في وقت لاحق ابتكر نسخة نحتية ، قام بتكرارها بأساليب ولغات مختلفة بما في ذلك نسخة عبرية من الصلب - باستخدام الكلمة & quotAhava & quot. في عام 2008 ، ابتكر صورة جديدة مستخدماً كلمة & quotHope & quot ، والتي تم التبرع بجميع عائداتها إلى صندوق الحملة الانتخابية لباراك أوباما.

إلى جانب Rauschenberg ، كان Johns من أوائل الرواد في فن البوب ​​خلال الخمسينيات. انتقل من ساوث كارولينا إلى نيويورك في عام 1949 ، واشتهر لأول مرة بلوحاته التي تصور العلم الأمريكي (على سبيل المثال & quotFlag & quot، 1954-55) ، بالإضافة إلى صور رسومية قياسية أخرى مثل الأهداف والأرقام. وقد لوحظ أيضًا أنه أدرج الطلاء الغزير والنقوش الجصية في لوحاته الزيتية. بعد صور علمه ، بدأ في دمج أشياء حقيقية في لوحاته وتناول أيضًا النحت (على سبيل المثال & quotAle Cans & quot ، 1964). أدى استخدامه لصور ومواد ثقافة البوب ​​بطبيعة الحال إلى تصنيفه على أنه فنان بوب ، لكن تصريحاته الفنية (بما في ذلك قدر كبير من المحاكاة الساخرة والمفارقة والتناقضات التي تشبه دوشامب) أدت أيضًا إلى وصف عمله بأنه الدادائية الجديدة. أكثر من فنان رسومي كلاسيكي أكثر من العديد من الممارسين الأصغر سنًا لموسيقى البوب ​​الذين اعتمدوا على تقنيات الفن التجاري الحديث ، جذبت أعمال جونز الذكية والمبتكرة الكثير من الثناء والرعاية. في الوقت المناسب ، استكشف العديد من الوسائط الأخرى ، بما في ذلك المطبوعات بالشاشة الحريرية والنقش الغائر ، والطباعة الحجرية. في عام 1998 ، ورد أن متحف متروبوليتان للفنون في نيويورك دفع 20 مليون دولار لعمله & quotWhite Flag & quot .

رسام رمزي فريد من نوعه ، على الرغم من أنه عمل أيضًا في مجال الطباعة والنحت ، ارتبط كاتز بفن البوب ​​بسبب إعادة صياغة الموضوعات التقليدية في لغة بوب. وهو معروف بإعادة صياغته المبتكرة للأفكار التي استخدمها الانطباعيون (خاصة إدوارد مانيه وكلود مونيه وجورج سورات) ، مثل التأثيرات المختلفة للضوء ومشاهد الباحثين البرجوازيين الباحثين عن الترفيه ، والتي يتم تنفيذها باستخدام تقنيات الزيت المبلل و فرش فضفاض. من ناحية أخرى ، يتم تقديم بعض أعماله بشكل قاتم إلى حد ما ، على ما يبدو بدون عاطفة أو حساسية.

روي فوكس ليختنشتاين (1923-97)

فنان بوب رائد ذو أسلوب يمكن التعرف عليه على الفور ، حولت أعماله رسومات الرسوم الهزلية المصورة إلى شكل فني دولي. بداية كفنان تجريدي في الخمسينيات من القرن الماضي ، جعله منصب تدريسي في جامعة روتجرز على اتصال مع زميله المعلم آلان كابرو ، وأثار مشاركته في فن الثقافة الشعبية. بدأ برسم نسخ يدوية من فكاهي إطارات ، كاملة مع فقاعات نصية (على سبيل المثال & quotLook Mickey & quot ، 1961) ، وكان لها عرض بيع في معرض نيويورك في Leo Castelli ، في عام 1961. وفي العام التالي ، ظهرت أعماله في كل من المعارض الرئيسية لعام 1962 في باسادينا ونيويورك . بحلول أواخر عام 1963 ، بدأ ليختنشتاين يحظى باهتمام عالمي. وشملت الأعمال الشهيرة في ذلك الوقت: & quotDrowning Girl & quot (1963) و & quotWhaam! & quot (1963). في عام 1989 ، في مزاد كريستيز للفن المعاصر في نيويورك ، لوحة ليشتنشتاين و quotTorpedo. بيع Los! & quot بمبلغ 5.5 مليون دولار - وهو رقم قياسي للفنان.

كلايس أولدنبورغ (ب 1929)

يُعتبر النحات الرئيسي في فن البوب ​​، ويشتهر بتركيباته الفنية العامة التي غالبًا ما تتميز بنسخ متماثلة ضخمة من الأشياء اليومية ، وخاصة المواد الغذائية مثل البرغر و أكواز المثلجات. نشط في نيويورك منذ عام 1956 ، وتواصل أولدنبورغ مع آلان كابرو ، وجيم دين ، والنحات جورج سيغال ، وأصبح موضوع الأحداث ، وأشكال أخرى من فنون الأداء والتركيب. شملت الأعمال البارزة: & quotDual Hamburger & quot (1962) ، بالإضافة إلى أحمر شفاهه العملاق الذي نصب في جامعة Yale في عام 1969. كانت مساهمته الرئيسية في Pop ، على غرار مساهمة Rosenquist ، هي تحويل الأشياء الشائعة إلى فن.

روبرت روشنبرغ (1925-2008)

مقره إلى حد كبير في مدينة نيويورك ، Rauschenberg - يُعتبر ، إلى جانب عشيقه لبعض الوقت جاسبر جونز ، أحد رواد فن Neo-Dada - سلالة مبكرة من فن البوب ​​- درس في كلية بلاك ماونتن في نورث كارولينا ، في عام 1948 ، تحت قيادة فنان باوهاوس السابق جوزيف ألبرز (المشهور بسلسلة & quotHomage to the Square & quot). في عام 1951 ، كان لديه أول عرض فردي له في معرض بيتي بارسونز ، وفي عام 1954 كان لديه عرض آخر فردي في معرض تشارلز إيجان. غالبًا ما يوصف بأنه عضو في Neo-Dada لانتمائه إلى Marcel Duchamps & quotreadymades & quotيجمع الطلاء& quot في الخمسينيات من القرن الماضي ، وتتكون من مواد وأشياء غير تقليدية مقدمة في مجموعات مبتكرة. في هذا الوقت ، تخصص Rauschenberg في استخدام & quotfound & quot المواد مثل القمامة والمخلفات الأخرى التي جمعها من شوارع نيويورك. ومع ذلك ، من عام 1961 إلى عام 1962 ، بدأ في تضمين الصور والأشياء التي تم العثور عليها في أعماله ، وعادة ما يتم نقل الصور إلى القماش عبر عملية الشاشة الحريرية. وبهذه الطريقة ، يمكن اعتبار عمله معاصرًا لعمل آندي وارهول. عمل Rauschenberg أيضًا في التصوير الفوتوغرافي للفنون الجميلة والطباعة وصناعة الورق والأداء.

جيمس روزنكويست (ب 1933)

تدرب روزنكويست ، رسام البوب ​​البارز ، في مدرسة مينيابوليس للفنون وبعد ذلك في جامعة مينيسوتا. في عام 1955 ، عندما كان يبلغ من العمر 21 عامًا ، انتقل إلى مدينة نيويورك للدراسة في رابطة طلاب الفنون ، قبل أن يعمل كرسام لوحات إعلانية. باستخدام ما حصل له تقنيات الرسم لإنشاء لوحات كبيرة الحجم ، وضع ما يبدو أنه إعلان مع صور المجلات الرومانسية من أجل إنتاج إحساس بالانقطاع واللامعقلانية كتعليق على الحياة الحديثة. كان العمل المشهور في هذا الوقت هو رسمه بحجم الغرفة & quot F-111 & quot (1965). مثل أولدنبورغ ، كانت مساهمة روزنكويست الرئيسية في موسيقى البوب ​​هي تحويل الأشياء العادية إلى فن من خلال منحها حجمًا ووزنًا هائلين.

رجل من أوكلاهوما ذهب إلى لوس أنجلوس عام 1956 ، تدرب روسشا في معهد شوينارد للفنون (الآن معهد كاليفورنيا للفنون) حتى عام 1960 (متأثرًا بفن كل من مارسيل دوشامب وجاسبر جونز) ، قبل العمل كفنان تخطيط لوكالة إعلانات كارسون روبرتس في لوس أنجلوس. في عام 1962 ، ظهرت لوحاته جنبًا إلى جنب مع أعمال روي ليختنشتاين ، وآندي وارهول ، وروبرت دود ، وفيليب هيفرتون ، وجو جود ، وجيم دين ، ووين ثيبود ، في العرض الرائد في متحف باسادينا للفنون. تشمل أعماله المبكرة الملحوظة ، بشكل عام نسخًا متقنة بشكل مثالي للوحات الإعلانات ومحطات البنزين ، ما يلي: & quot ). منذ منتصف الستينيات ، أصبح معروفًا به لوحات الكلمات (تُعرف أيضًا باسم لوحات الكلمات السائلة).

نظرًا لكونه كبير كهنة فن البوب ​​، تمتع وارهول بمسيرة مهنية ناجحة كرسام تجاري ، قبل أن يحقق شهرة عالمية برسمه على غرار البوب ​​، وطباعة السيناريو ، وأفلامه الطليعية ، وأسلوب حياته الذي ينطوي على مزيج من نجوم هوليوود ، المثقفين والفنانين الطليعيين والمشاهير السريين. تتلخص نظرته لتأثير التلفزيون - وهو عامل حاسم في هوية وشعبية فن البوب- آرت - على الفن والحياة ، في عبارته الشهيرة: & quotيمكن لأي شخص أن يشتهر لمدة 15 دقيقة. & مثل

خلال الستينيات ، بدأ في إنتاج لوحات لمنتجات أمريكية شهيرة ، مثل علب حساء كامبل, زجاجات كوكاكولا و فواتير الدولار، جنبًا إلى جنب مع صور نجوم عالميين مثل مارلين مونرو وإنجريد بيرجمان وإليزابيث تايلور وإلفيس بريسلي. كما أسس استوديوه الفني الشهير في نيويورك ، والمعروف باسم & quotالمصنع& quot ، حيث توقع طرق الإنتاج الضخم لدامين هيرست لأكثر من 30 عامًا.

قبل كل شيء ، كان فن وارهول يدور حول الأيقونات التي اشتهرت من خلال التلفزيون ومقاطع الأخبار والإعلانات ، مثل غيوم فطر القنبلة الذرية ، والكراسي الكهربائية للسجون ، وحوادث السيارات وأعمال الشغب العرقية. لذلك تم التعرف على صوره على الفور وأثارت جاذبية جماهيرية.

محجوبًا جزئيًا بسبب القضايا المحيطة بشهرته وأسلوب حياته ، فإن مكانة وارهول كفنان مبتكر ومبدع بشكل بارز مضمونة ، ليس أقلها لتحويله للصور الشائعة إلى أيقونات للفن العالمي. بالإضافة إلى ذلك ، كان غزير الإنتاج بشكل استثنائي ، حيث عمل عبر مجموعة واسعة من الوسائط ، بما في ذلك الرسم والرسم والطباعة والتصوير الفوتوغرافي والأفلام.

مشاهير فناني البوب ​​البريطانيين

تم تحديده لأول مرة كعضو في حركة فن البوب ​​البريطانية الناشئة عندما عرض بجانب ديفيد هوكني ، آر بي كيتاج وآخرين في معرض "الشباب المعاصرون" ، في عام 1961 ، جذب بليك اهتمامًا أوسع عندما ظهر في & quotPop Goes the Easel & quot ، فيلم عام 1962 بقلم كين راسل عن فن البوب ​​البريطاني. ومع ذلك ، لا يزال يشتهر بتصميم غلاف فريق البيتلز & quotفرقة نادي القلوب الوحيدة للرقيب بيبر& مثل الألبوم.

باتريك كولفيلد (1936-2006)

تدرب كولفيلد في مدرسة تشيلسي للفنون في عام 1956 ، وفي الكلية الملكية للفنون (1960-1963) ، حيث كان من بين زملائه الطلاب ديفيد هوكني و آر بي كيتاج. في عام 1964 ، تم تمثيل أعماله في معرض & quotNew Generation & quot في معرض وايت تشابل بلندن ، والذي لفت الانتباه أولاً إلى مشاركته في مشهد فن البوب ​​في المملكة المتحدة. تخصص في اللوحات التي تستخدم الموضوعات العادية ، والخط الميت والألوان المستمدة من مفردات الإعلانات والرسوم التوضيحية الرخيصة ، للتعبير عن كثافة حية وروح الدعابة. غالبًا ما تصور أعماله بشكل مميز عددًا قليلاً من الأشياء البسيطة في الداخل ، ويتم تنفيذها باستخدام مساحات مسطحة ذات لون بسيط (أو لون واحد) يحدها مخطط أسود.

ريتشارد هاميلتون (ب 1922)

أحد مؤسسي مجموعة إندبندنت في معهد الفنون المعاصرة في لندن ، مجموعة نقاش الفنانين التي ولدت فن البوب ​​في بريطانيا ، اشتهر بمجموعته عام 1956 بعنوان & quotفقط ما الذي يجعل منازل اليوم مختلفة جدًا وجذابة جدًا؟& quot - يعتبر الآن أحد الأمثلة الأولى لفن البوب ​​البريطاني. في منتصف الخمسينيات من القرن الماضي ، بعد عدة عروض فردية ، تولى هاملتون التدريس في نيوكاسل أبون تاين ، حيث تابع مشروعًا بحثيًا عن الفنان الفرنسي المعاصر مارسيل دوشامب ، وهو شخصية أعجب بها هاميلتون كثيرًا. في أوائل الستينيات حصل على منحة من مجلس الفنون بالمملكة المتحدة لرعاية مجموعة Kurt Schwitters Dadaist & quotMerzbau & quot للكليات والمحافظة عليها في كمبريا. نشط أيضًا في لندن ، بصفته فنانًا ومدرسًا وناشطًا في حملة CND ، قام هاملتون برعاية معرض استعادي بريطاني كبير لعمل دوشامب في معرض Tate في عام 1966. بالإضافة إلى ذلك ، أدت اتصالاته داخل المشهد الموسيقي المعاصر إلى صداقة مع Paul McCartney مما أدى إلى تصميم غلاف هاملتون وفن الملصق الخاص بـ ألبوم البيتلز الأبيض.

يعد David Hockney أحد أبرز الفنانين البريطانيين في القرن العشرين ، وهو أحد المساهمين المهمين في فن البوب ​​البريطاني في الستينيات ، وهو رسام لامع. تم تمثيله في معرض المعاصرين الشباب (1961) ، والذي أشار إلى ظهور فن البوب ​​البريطاني - على الرغم من أن عمله لم يقتصر على هذا الأسلوب بأي حال من الأحوال. في عام 1963 زار نيويورك حيث التقى بآندي وارهول. بعد ذلك ، زار لوس أنجلوس في كاليفورنيا ، الولاية التي أصبحت فيما بعد منزله لسنوات عديدة. ألهمته رحلة لوس أنجلوس لإنشاء سلسلة من اللوحات المميزة حوض سباحةباستخدام الوسيط الجديد من الأكريليك. تم تنفيذ الصور بأسلوب مسطح ولكنه واقعي للغاية ، باستخدام ألوان نابضة بالحياة. تشمل الأعمال المشهورة من الستينيات & quot؛ Peter Getting Out Of Nick's Pool & quot (1966) ، التي فازت بجائزة John Moores في معرض Walker Art Gallery في ليفربول ، في العام التالي & quotSunbather & quot (1966) و & quotA Bigger Splash & quot (1967) ، والتي تم شراؤها في 2006 مقابل 2.6 مليون جنيه استرليني - رقم قياسي في لوحة هوكني.

يستخدم جونز ، أحد مؤسسي فن البوب ​​البريطاني ، صورًا رمزية بسيطة ، جنبًا إلى جنب مع الألوان الزاهية والجريئة. هو مشهور له النحت المثيرة (على سبيل المثال ، كرسي المجموعة ، حامل الطاولة والقبعات ، 1969). تشمل الأعمال البارزة الأخرى: & quotWet Seal & quot (1966) و & quot ماذا تقصد ، ماذا أعني؟ & quot وهو أيضًا فنان جرافيك ورسام زيتي.

إدواردو لويجي باولوزي (1924-2005)

مؤسس فن البوب ​​البريطاني ، بولوزي تدرب في كلية أدنبرة للفنون (1943) ، مدرسة سانت مارتن للفنون (1944) ، وفي مدرسة سليد للفنون (1944-1947) ، قبل العمل في باريس ، فرنسا (1947) -1949) حيث التقى وتأثر بعدد من الفنانين المشهورين ، بما في ذلك النحات السويسري ألبيرتو جياكوميتي ، والدادائي السابق والسريالي جان آرب ، والنحات الروماني كونستانتين برانكوسي ، والموزعين التكعيبيين جورج براك وفرناند إل وإي كوتيغر. مجموعته المنوية ومثلكنت ألعوبة رجل غني& quot (1947) تعود إلى هذه الفترة الباريسية. بالعودة إلى لندن ، عمل مع المنحوتات والإنشاءات والكولاج والمطبوعات الحجرية بأسلوب سريالي إلى حد كبير ، تضمنت مؤلفاته مجموعة متنوعة من الأشياء والمواد. كان مؤسسًا رائدًا لمجموعة إندبندنت في عام 1952 ، والتي توقعت مناقشاتها الكثير من مدرسة فن البوب ​​التي ستظهر قريبًا.

فيما يلي قائمة مختصرة لأعمال فناني البوب ​​الشهيرة.

& # 149 كنت ألعوبة لرجل غني (1947) إدواردو لويجي باولوزي
& # 149 العلم (1954-5) جاسبر جونز
& # 149 سرير (1955) روبرت راوشينبيرج
& # 149 فقط ما الذي يجعل منازل اليوم مختلفة جدًا؟ (1956) ر. هاملتون
& # 149 مونوغرام (1959) روبرت راوشنبرغ
& # 149 الرئيس المنتخب (1960) جيمس روزنكويست
& # 149 السيد بيلامي (1961) روي ليختنشتاين
& # 149 علامة تجارية كبيرة مع ثمانية أضواء كاشفة (1961) إد روسشا
& # 149 Dual Hamburger (1962) Claes Oldenburg
& # 149210 زجاجات كوكاكولا (1962) آندي وارهول
& # 149 مارلين مونرو (1962) آندي وارهول
& # 149 علبة حساء كامبل (1962) آندي وارهول
& # 149 Floor Cake (1962) Claes Oldenburg. & # 149 Floor Cake (1962) Claes Oldenburg
& # 149 Triple Elvis (1963) Andy Warhol
& # 149 ستاندرد ستيشن ، أماريلو ، تكساس (1963) إد روسشا
& # 149 الفتاة الغارقة (1963) روي ليختنشتاين
& # 149 Whaam! (1963) روي ليختنشتاين
& # 149 العقارية (1963) روبرت راوشينبيرج
& # 149 الرسم الميداني (1963-1964) جاسبر جونز
& # 149 Love (1964) روبرت إنديانا
& # 149 Ale Cans (1964) جاسبر جونز
& # 149 بريلو (1964) وارهول
& # 149 Choke (1964) Robert Rauschenberg
& # 149 Retroactive (1964) روبرت راوشنبرغ
& # 149 Great American Nude # 57 (1964) Tom Wesselmann
& # 149 F111 (1964-65) جيمس روزنكويست
& # 149 The Diner (1964-66) جورج سيغال
& # 149 كرسي كهربائي (1965) آندي وارهول
& # 149 لوحة كبيرة رقم 6 (1965) روي ليختنشتاين
& # 149 مرحاض ناعم (1966) كلايس أولدنبورغ
& # 149 إنجريد بيرجمان (1966) آندي وارهول
& # 149 A Bigger Splash (1967) ديفيد هوكني
& # 149 ليسب (1968) إدوارد روسشا
& # 149 Geometric Mouse، Scale A (1969) Claes Oldenburg. & # 149 ماوس هندسي ، مقياس أ (1969)
& # 149 تذكار (1970) جاسبر جونز
& # 149 جو صوفا (1971) دي باس ، لومازي ، دوربينو
& # 149 Floor Burger (1971) Claes Oldenburg
& # 149 Still Life with Goldfish Bowl (1972) روي ليختنشتاين

خلال الثمانينيات ، كان هناك إحياء للاهتمام بفن البوب ​​- وهي ظاهرة عُرفت باسم نيو بوب (أو & quotShock Pop-Art & quot). لم تكن حركة فنية جديدة في حد ذاتها ، بل هي عودة للأعمال الفنية القائمة على الثقافة الشعبية - هذه المرة مستمدة من الثمانينيات. في حين أن حركة Pop Art الأصلية كانت طليعية تمامًا ، فإن Neo-Pop Art هو أكثر من تكرار. وهكذا يستمر فنانو نيو بوب في استخدام & quot؛ qureadymades & quot؛ والعناصر الموجودة مسبقًا في أعمالهم ويعتمدون أيضًا بشكل كبير على أيقونات المشاهير مثل مايكل جاكسون ومادونا وبريتني سبيرز وباريس هيلتون وما إلى ذلك. هم أيضا يستمدون الإلهام من شيوع, الفن التصوري, الواقعية, التركيب/فن الأداء و اكثر. إذا كان هناك أي شيء ، فإن Neo-Pop هو مجرد نسخة أكثر تطرفًا من Warhol و Oldenburg و Rauschenberg.

يعتبر جيف كونز (المولود عام 1955) هو المدافع الرئيسي عن موسيقى البوب ​​الجديدة ، والذي كتب عنه الناقد الشهير روبرت هيوز ما يلي: & quot ؛ يعتقد كونز حقًا أنه مايكل أنجلو ولا يخجل من قول ذلك. المهم أن هناك جامعين ، خاصة في أمريكا ، يؤمنون بذلك. لديه الضمانات اللزجة ، الطقطقة الجسيمة حول التعالي من خلال الفن ، من المعمداني المجفف بالنفخ الذي يبيع فدادين من المستنقعات في فلوريدا. والنتيجة هي أنه لا يمكنك تخيل ثقافة أمريكا الفاسدة بدونه. & quot؛ أصداء النقد الموجه إلى آندي وارهول ودامين هيرست؟ (في عام 2005 ، تم انتخاب كونز زميلًا في الأكاديمية الأمريكية للفنون والعلوم).

يشمل دعاة القائد الآخرون كاثرينا فريتش, دانيال إدواردز، و ياسوماسا موريمورا. تشمل الأعمال الشهيرة لـ Neo-Pop ، وكلاهما من تأليف Jeff Koons ، & quot؛ Michael Jackson و Bubbles & quot (1988) - بيعت في عام 1991 مقابل 5.6 مليون دولار - و & quotPuppy & quot (1992). أنظر أيضا: أفضل الفنانين المعاصرين 2014.

مشاهير فناني البوب ​​الجدد

أشلي بيكرتون ، راه كروفورد ، دانيال إدواردز ، كاثرينا فريتش ، كيث هارينج ، داميان هيرست ، غاري هيوم ، جيف كونز ، مارك كوستابي ، ينغفار لارسن ، ألان ماكولوم ، كومار وميلاميد ، كادي نولاند ، تشارلز راي ، كيني شارف ، حاييم شتاينباخ ، جافين الترك.

قائمة أعمال فن البوب ​​الجديد

كيث هارينغ
طفل مشع (حوالي 1980) صورة فنية للشارع ، نيويورك.
الكراك هو واك (1986) جدارية ، هارلم ، نيويورك.

ديفيد Wojnarowicz
الماء (1987) عمل متعدد الوسائط.
موت الروحانية الأمريكية (1987) عمل وسائط مختلطة.

جيف كونز
نيو هوفر المكشوفة (1984)
أرنب (1986)
مايكل جاكسون وبابلز (1988)
بوبلز (1988)
القذرة: جيف أون توب (1991)
ضربة مهمة: الجليد (1991)
جرو (1992)
تريبل الفيس (2007)

ياسوماسا موريمورا
بورتريه توأم (1988)

ماثيو بارني
Cremaster 4 (1994)
Cremaster 1: Goodyear Chorus (1995)

كاثرينا فريتش
مان أوند ماوس / الرجل والفأر (1991-1992)
رات كينج (1993)
مسدس (2006)

دانيال إدواردز
النصب التذكاري للحياة المؤيدة: ولادة شون بريستون (بريتني سبيرز) (2006)
تمثال نصفي لهيلاري رودهام كلينتون (2006)
تشريح باريس هيلتون (2007)
وفاة الأمير هاري في النصب التذكاري لحرب العراق (2007)

& # 149 لمزيد من المعلومات حول الرسم / النحت في القرن العشرين ، راجع: موسوعة الفنون المرئية.


الفنانون الأمريكيون والحرب العالمية الأولى (تعليق الإجابة) - التاريخ

متحف واحد ، موقعان

قم بزيارتنا في واشنطن العاصمة وشانتيلي ، فيرجينيا لاستكشاف مئات من أهم الأشياء في العالم في تاريخ الطيران والفضاء.

معالم بوينج من قاعة الطيران

تعرف على الكيفية التي غيرت بها الطائرات والرحلات الفضائية العالم.

الوحدة القمرية LM-2

تمثل الوحدة القمرية أحد أعظم إنجازات البشرية: هبوط الأشخاص على جسم سماوي آخر.

STEM في 30

لا تفوّت نشرات الويب سريعة الوتيرة المصممة لإشراك الطلاب في العلوم والتكنولوجيا والهندسة والرياضيات في 30 دقيقة.

الدردشات الحية

يجيب الخبراء على أسئلتك حول الفضاء.

يشارك علماؤنا في الأبحاث الحالية التي تركز على مناخ وجيولوجيا المريخ. اكتشف ما نكتشفه.

جدار الشرف

تعرف على عشاق الهواء أو الفضاء المفضل لديك. أضف اسمهم إلى جدار الشرف بالمتحف.

التعبير الفني في الحرب العالمية الأولى

أعادت الحرب العالمية الأولى تشكيل العالم جيوسياسيًا وغيرت كيفية انخراط المجتمعات في الصراع العسكري وعلاقته به.

ساهم التعبير الفني خلال الحرب في هذا التحول. قبل الحرب العالمية الأولى ، كان فن الحرب يصور إلى حد كبير القادة العسكريين البطوليين والمعارك الرومانسية ، التي تمت بعد فترة طويلة من وقوعها ، بعيدًا عن ساحة المعركة. شكلت الحرب العالمية الأولى نقطة تحول مع ظهور الأعمال الفنية التي تهدف إلى التقاط اللحظة بطريقة واقعية ، من قبل المشاركين المباشرين.

يبحث هذا المعرض في هذا الشكل من أشكال التعبير الفني من منظورين متكاملين. أحدهم الفنانين المحترفين الذين تم تجنيدهم من قبل الجيش الأمريكي ، وخدموا في AEF. كانوا أول فناني قتال حقيقي. الآخر هو الجنود الذين صنعوا الأعمال الفنية. ظهر تعبيرهم عن أنفسهم في شكل منحوتات حجرية في ملاجئ تحت الأرض ، مخبأة بعيدًا لمدة قرن من الزمان ، لأول مرة من خلال الصور المذهلة للمصور والفنان والمستكشف جيف جوسكي. معًا ، تسلط هذه الأعمال الفنية للجنود الضوء على الحرب العالمية الأولى بطريقة مقنعة وإنسانية للغاية.

تعاون بين المتحف الوطني للطيران والفضاء التابع لمؤسسة سميثسونيان والمتحف الوطني للتاريخ الأمريكي.


السياق التاريخي: التأثير العالمي للحرب العالمية الأولى

صنفت قائمة حديثة من أهم مائة قصة إخبارية في القرن العشرين بداية الحرب العالمية الأولى في المرتبة الثامنة. هذا خطأ كبير. كل ما حدث في الفترة المتبقية من القرن كان بطريقة أو بأخرى نتيجة للحرب العالمية الأولى ، بما في ذلك الثورة البلشفية في روسيا ، والحرب العالمية الثانية ، والمحرقة ، وتطوير القنبلة الذرية. يمكن أيضًا إرجاع الكساد الكبير والحرب الباردة وانهيار الاستعمار الأوروبي ، بشكل غير مباشر على الأقل ، إلى الحرب العالمية الأولى.

قتلت الحرب العالمية الأولى عددًا أكبر من الأشخاص - أكثر من 9 ملايين جندي وبحارة وطيار و 5 ملايين مدني آخرين - شاركت في المزيد من البلدان - 28 - وكلفت أموالًا أكثر - 186 مليار دولار في التكاليف المباشرة و 151 مليار دولار أخرى في شكل غير مباشر التكاليف - من أي حرب سابقة في التاريخ. كانت الحرب الأولى التي استخدمت فيها الطائرات والدبابات والمدفعية بعيدة المدى والغواصات والغازات السامة. ترك ما لا يقل عن 7 ملايين رجل معاق دائم.

ربما كان للحرب العالمية الأولى عواقب بعيدة المدى أكثر من أي حرب أخرى. من الناحية السياسية ، أدى ذلك إلى سقوط أربعة ممالك - في روسيا عام 1917 ، وفي النمسا-المجر وألمانيا عام 1918 ، وفي تركيا عام 1922. وقد ساهم في صعود البلاشفة إلى السلطة في روسيا عام 1917 وانتصار الفاشية في إيطاليا عام 1922. أشعلت ثورات استعمارية في الشرق الأوسط وجنوب شرق آسيا.

من الناحية الاقتصادية ، عطلت الحرب بشدة الاقتصادات الأوروبية وسمحت للولايات المتحدة بأن تصبح الدائن والقوة الصناعية الرائدة في العالم. كما جلبت الحرب عواقب اجتماعية واسعة ، بما في ذلك القتل الجماعي للأرمن في تركيا ووباء الأنفلونزا الذي قتل أكثر من 25 مليون شخص في جميع أنحاء العالم.

تكشف أحداث قليلة بشكل أفضل عن عدم القدرة على التنبؤ بالمستقبل. في مطلع القرن العشرين ، كان معظم الأوروبيين يتطلعون إلى مستقبل يسوده السلام والازدهار. لم تخض أوروبا حربًا كبرى لمدة 100 عام. لكن الإيمان بالتقدم البشري تحطم بسبب الحرب العالمية الأولى ، وهي حرب أرادها القليلون أو كانوا يتوقعونها. في أي وقت خلال الأسابيع الخمسة التي سبقت اندلاع القتال ، كان من الممكن تجنب الصراع. كانت الحرب العالمية الأولى نتاجًا لسوء التقدير وسوء الفهم وسوء الفهم.

لم يتوقع أحد حربًا بحجم أو مدّة الحرب العالمية الأولى. في البداية اعتمدت الجيوش على وسائل اتصال قديمة ، مثل الحمام الزاجل. القوى العظمى حشدت أكثر من مليون حصان. ولكن بحلول الوقت الذي انتهى فيه الصراع ، كانت الدبابات والغواصات والقنابل التي أسقطتها الطائرات والمدافع الرشاشة والغازات السامة قد غيرت طبيعة الحرب الحديثة. في عام 1918 ، أطلق الألمان قذائف تحتوي على كل من الغاز المسيل للدموع والكلور القاتل. أجبر الغاز المسيل للدموع البريطانيين على إزالة أقنعة غاز الكلور الخاصة بهم ثم شوه وجوههم وقتلهم.


شاهد الفيديو: الحرب العالمية الأولى - منتدى مهنا المهنا (ديسمبر 2021).